Viñetas, palabras y fotogramas

El hombre de al lado

2011-12-24T16:27:00.000-08:00

(Mario Cohn y Gastón Duprat, Argentina, 2009)

Quizá mi película favorita de la Muestra, nos cuenta la historia de Leonardo, un diseñador cuarentón y pocos-huevos, hipster y creído, cuya vida tranquila se ve alterada cuando su vecino abre un boquete en la pared del edificio de al lado, viendo justo al interior de su casa. El vecino, Víctor, es su completo opuesto: corriente, vulgar, ignorante y completamente macho. Con los personajes tratando de llegar a un entendimiento, el filme le pega duro tanto a los snobs de clase alta como a los iletrados de la baja, burlándose de las pretensiones de unos y la ingenuidad de los otros. Graciosa y divertida, con un final que cambia por completo el tono y expone de manera cruda la imposibilidad de comunicación entre las clases sociales.

El precio del mañana

2011-12-24T14:42:00.000-08:00

(Andrew Niccol, Estados Unidos, 2011)

Haciendo literal la idea de que el tiempo es dinero, esta cinta nos presenta un mundo en el que al cumplir veinticinco años de edad tienes un año disponible con el cual "pagas" por las cosas. Como te cobran en tiempo de vida, si no administras bien el que tienes o si no ganas más, al quedarte sin "dinero" caes muerto. De este modo, los pobres se ven condenados a vivir al día, mientras que los ricos acumulan tiempo a lo estúpido. Usando la premisa pseudo-socialista de que en el mundo hay suficiente riqueza para todos si ésta fuera bien distribuida, Justin Timberlake seduce/secuestra a la hija de un banquero importante y emprende una campaña a la Robin Hood para hacer llegar tiempo a quienes lo necesitan. Convirtiéndose en una especie de Bonnie y Clyde futuristas, la prófuga pareja intenta corregir los males de la sociedad. Interesante premisa, curiosa crítica social, buena acción y un final demasiado complaciente para mi gusto, hacen de esta cinta algo disfrutable pero para nada indispensable.

Fantastic Mr. Fox

2011-12-24T14:28:00.000-08:00

Hace varios meses volví a ver la adaptación fílmica que hizo Wes Anderson a este libro y por fin pude leer la versión original. No hay gran cosa que decir, tratándose de un álbum infantil la historia es muy breve y sencilla, de pocas páginas y muchas imágenes (aunque la edición que leí prescinde de las ilustraciones y recurre a fotos de la película, lo cual se me hace un tanto barato). Curiosamente, la versión literaria glorifica al ladrón con buenos motivos, mientras que condena y ridiculiza a los empresarios avariciosos. Esperaba más del libro, estoy acostumbrado a leer cosas un tanto más oscuras de Roald Dahl.

53 Muestra Internacional de la Cineteca - Las razones del corazón

2011-11-30T20:33:00.000-08:00

(Arturo Ripstein, México-España, 2011)

Inspirada en Madame Bovary, la cual no he leído, esta cinta explora las desavenencias en la vida de una mujer adúltera. Desde su papel como madre negligente e hija resentida, Emilia busca deshacerse de sí misma al entregarse a alguien más. Y si éste no la acepta, siempre puede buscar cambiar los roles y volverse la persona protectora. O ser cómplice. O la que manda. Emilia no sabe cómo comportarse en el amor y se vuelve un desastre, su personalidad se diluye a la par que su vida en este filme cuya puesta en escena es más teatral que cinematográfica y cuya fotografía en blanco y negro otorga sobriedad a un drama cotidiano y a veces desesperante.

53 Muestra Internacional de la Cineteca - Confesiones en el diván

2011-11-30T20:26:00.000-08:00

(Mahler auf der couch, Percy & Felix Adlon, Alemania-Austria, 2010)

Lo que más me gustó fue la leyenda al inicio de la cinta que decía: "Que ocurrió fue un hecho. Cómo ocurrió es ficción." La película se dedica a imaginar el encuentro que se dio entre el compositor Gustav Mahler y el psicoanalista Sigmund Freud posterior a que el primero descubrió la infidelidad de su esposa y buscó la ayuda del segundo, quien se hallaba de vacaciones en Austria. Semejantes personajes siempre son atractivos para el público, aunque también son difíciles de manejar. Es común exagerarlos, sobredimensionarlos. No soy experto conocedor de la biografía de ninguno de los hombres retratados, pero me quedé con la impresión de que abusan del aspecto de artista atormentado en el músico. También sentí que Freud es manejado con sutileza, lo cual agradezco. Y Alma, la adúltera, es representada como una fuerza de la naturaleza. Me agradó que no se cae en el cliché de víctimas y victimarios, sino que se explora la complejidad de los sentimientos y necesidades humanas.

53 Muestra Internacional de la Cineteca - El caballo de Turín

2011-11-30T20:12:00.000-08:00

(A torinói ló, Béla Tarr, Hungría, 2011)

Comienza con una anécdota sobre un caballo, el cual presenció el descenso a la locura de Nietzsche. Uno piensa que la cosa se pondrá interesante, pero el filme poco tiene que ver con el filósofo alemán y más bien sigue al equino. Se trata de un ensayo sobre la repetición, sobre la monotonía de tener que trabajar para vivir, sobre las dificultades que presentan a la supervivencia la entropía y la vejez. Pero eso lo veo en mi vida diaria, no me hace falta atestiguarlo en una película también. La fotografía en blanco y negro es hermosa, los complicados movimientos de cámara y planos secuencia son magistrales, el leit motif musical crea la atmósfera adecuada de desesperanza y perdición. Incluso la extensa duración ayuda a crear el efecto deseado en el espectador. Pero no me pareció una experiencia del todo disfrutable. Es, más que nada, estímulo para cinéfilos adolescentes o hipsters (si es que no son lo mismo), que se desvivirán elogiándola aunque no les haya gustado o no le hayan entendido.

53 Muestra Internacional de la Cineteca - En un mundo mejor

2011-11-30T20:00:00.000-08:00

(Hævnen, Susanne Bier, Dinamarca-Suecia, 2010)

Bier es una de mis directoras favoritas. Si me preguntan, es quien mejor sabe hacer drama hoy en día. Ya antes había utilizado una mezcla de temática social y conflictos familiares, pero aquí lo hace de mejor manera. Haciendo una reflexión sobre el papel de la violencia como origen, solución y consecuencia de los problemas, no hay respuestas fáciles en esta cinta. Un hombre quiere demostrarle a su hijo y a un amigo de éste que la violencia no resuleve nada y que no hay que temerle, pero su voz carece de resonancia cuando él mismo está ausente la mayoría del tiempo y cuando el otro chico, hijo de alguien más, alberga un rencor que no escucha razones. La pérdida de un ser querido puede cambiarlo todo y sólo un roce más con la muerte puede ayudarnos a entender un poco mejor las cosas. Lamentablemente, cuesta trabajo creerle a los adultos (o a los artistas) cuando pretenden decirnos que todo va a estar bien.

Monstruos

2011-11-29T20:33:00.000-08:00

(Gareth Edwards, Reino Unido, 2010)

Hace un par de meses leí en una entrevista a Alan Moore que le había gustado esta película, lo cual despertó mi inetrés. Promocionada como " El Sector 9 de este año" (haciendo referencia a la grandiosa District 9, de Neill Blomkamp, Sudáfrica, 2009), lo único que tiene en común es la idea de mostrar un problema de inmigración con el tema de alienígenas, pero hasta ahí. Con personajes más bien planos y un guión muy mal investigado -ubican San José, Centro América en o cerca de México, carecen de una idea clara de las distancias dentro del territorio mexicano, ponen una selva en el norte del país con todo y una pirámide aparentemente maya junto a la frontera con Estados Unidos-, los errores que como mexicano pude notar a leguas me sacaron de la película. Si le agregamos un ritmo lento que se vuelve pesado, el trasfondo de plantear que tal vez los "otros" en verdad no son tan malos se diluye y pierde su importancia.

Contagio

2011-11-29T20:21:00.000-08:00

(Steven Soderbergh, Estados Unidos, 2011)

Esta es una película de acción, pero no tiene balazos ni explosiones. La acción ocurre en laboratorios y salas de junta, donde hombres y mujeres trabajan sin descanso para descifrar el funcionamiento de un nuevo virus, localizar al paciente cero y encontrar una cura antes de que la pandemia deje a la humanidad diezmada. Soderbergh es un cineasta competente (y caigo en cuenta de que he visto muy pocas de sus películas, error que deberé corregir a la brevedad) que, no obstante, spielberguea hacia el final al ser demasiado complaciente. Pero la cinta no deja de ser absorbente y angustiante, con muchos personajes que demuestran el potencial del ser humano, desde el que menos puede ayudar hasta el que más, e incluso también para manipular y perjudicar.

30 minutos o menos

2011-11-29T20:13:00.000-08:00

(Ruben Fleischer, Estados Unidos, 2011)

Esperaba más de esta película. Por ser del director de Zombieland (Estados Unidos, 2009), por contar con la actuación de Jesse Eisenberg, porque la premisa me parecía interesante o simplemente por tener a dos tipos con máscaras de chango en el poster. Pero nada de eso la mantuvo a flote. Nick es un baquetón que trabaja como repartidor de pizzas y no aspira a nada más en la vida. Esto "cambia" cuando un par de baquetones aún más huevones que él deciden ponerle un chaleco-bomba para obligarlo a robar un banco por ellos. Los personajes son anticarismáticos y carecen de desarrollo. La trama da giros predecibles y gastados. El final me deja igual, no me aporta nada en absoluto y sólo me quitó mi tiempo. Por fortuna, dura menos de hora y media, así que no perdí tanto.

El juego de la fortuna

2011-11-29T20:01:00.002-08:00

(Bennett Miller, Estados Unidos, 2011)

Al parecer Miller tiene predilección por adaptar libros basados en historias reales. Después del éxtio obtenido con Capote (Canadá-Estados Unidos, 2005), nos trae esta historia sobre cómo Billy Beane, un jugador de baseball que prometía mucho en su juventud pero nunca logró despegar, cambió la manera de armar equipos al ser el manager de los Athletics de Oakland. Escogiendo a los jugadores en base a sus estadísticas de juego en lugar de su carisma, tendencia, trayectoria y su relevancia como estrellas, logra que un equipo con un presupuesto limitado rompa el record de más juegos ganados de manera consecutiva. Una lección sobre el valor que erróneamente puede dársele al dinero y sobre la imprtancia de pensar de manera diferente, la película es emocionante, entretenida y conmovedora a la vez. Recomendable para pasar un buen rato, pero no indispensable.

Masacre en Xoco

2011-11-29T19:45:00.000-08:00

No hay mejor manera de pasar las fechas de Halloween y Día de muertos que viendo películas de horror. En la Cineteca Nacional lo saben, es por eso que organizaron una masacre en el pueblo de Xoco por segundo año consecutivo. En 2010, la masacre tuvo un inicio modesto, con dos películas y una charla cada día durante tres días, cerrando con un maratón de seis películas a lo largo del último día. Esta vez, la carnicería creció: a lo largo de tres tardes y un día completo, se proyectaron un total de quince películas, entre clásicos en formato 35 mm y estrenos internacionales. A continuación reseñaré brevemente las películas que pude ver (las que no reseño es porque ya las había visto en otra ocasión).

El primer día fue nombrado "La violencia entre nosotros", con tres filmes que retratan a gente común y corriente que por algún motivo u otro deben recurrir a la violencia. En Dios me lo ordenó (God told me to, Larry Cohen, Estados Unidos, 1976) se explora el fenómeno tan común en Estados Unidos en la década de los 70: los francotiradores y asesinos anónimos que se dedicaban a matar transeúntes al azar, muchas veces diciendo obedecer designios divinos. Fue la respuesta de Cohen al Superman de los comics, retratando a un alienígena que llega a la Tierra pero con no tan buenas intenciones.

Al día siguiente, se revisaron algunos "Clásicos del horror mexicano," comenzando con El espejo de la bruja (Chano Urueta, México, 1960). Al igual que en otra de sus películas, El barón del terror (México, 1962), la historia es buena pero tiene algunos huequitos y los efectos especiales van en detrimento del disfrute de la cinta. Y la época no es pretexto, hay cosas de décadas anteriores que logran crear efectos realistas en mayor medida. Una mujer es envenenada por su esposo para poder casarse con otra. Su madrina, una bruja, usa sus poderes para facilitar la venganza de su protegida. Con una secuencia inicial reminiscente de Häxan (Benjamin Christensen, Suecia-Dinamarca, 1922), la película empieza bien pero después se cae un poquito.

Siguió Misterios de ultratumba (Fernando Méndez, México, 1958), del mismo cineasta que dirigió El vampiro (México, 1957), la cual es más conocida pero, a mi parecer, menos lograda. La película trata sobre un pacto entre científicos, por medio del cual acuerdan que el primero en morir le comunicará al otro qué hay en el Más Allá. Introduciendo varios personajes más en una trama compleja desarrollada con buen ritmo y excelentes manejos, los sucesos se van desarrollando hasta que se cumple un destino funesto que había sido vaticinado al principio, demostrando que la arrogancia científica debe conocer sus límites.

La tercera función de la tarde fue Santo contra las lobas (Jaime Jimpenez Pons y Rubén Galindo, México, 1976). Tal vez el intento más serio por hacer una auténtica película de horror con el Enmascarado de Plata, su estética realista que casi raya en lo documental ayuda a crear una atmósfera verosímil que, sin embargo, no logra mantenerse hasta el final. Vamos, si vemos una película del Santo no podemos esperar gran credibilidad y el humor involuntario nunca está lejos. El ritmo pesado de la historia pudo más que yo y admito, no sin vergüenza, que me perdí del final.

La tercera jornada fue dedicada a "El terror ayer, hoy y siempre". El ayer fue representado por Tarantula (Jack Arnold, Estados Unidos, 1955), uno de esos clásicos de los años 50 que marcaron el subconsciente colectivo de la humanidad con criaturas gigantescas que, hasta la fecha, siguen populando la pantalla de plata. A pesar de sus limitaciones, los fotomontajes y efectos especiales están muy bien logrados y crean la verosimilitud necesaria para que la historia de un arácnido de proporciones brobdingnaguianas nos absorba (a menos, claro, que el espectador carezca del criterio suficiente para contextualizar el filme con su época).

El cine de hoy fue representado por El sanatorio (Miguel Gómez, Costa Rica, 2010), película que cuenta con el privilegio de ser la primera obra del género producida en su país. Comienza francamente mal, con un humor demasiado bobo y un abuso de la palabra "mae" (en un afán por demostrar que el lenguaje autóctono no alienaría a audiencias de otros países). Este falso documental sobre un sanatorio supuestamente embrujado cambia inadvertidamente de tono, dejando la parodia para volverse comedia bien hecha, con buenos chistes y ocurrencias bien manejadas. También ayuda la inclusión del atractivo de Mariana, personaje que hace de investigadora y que, con su nubilidad, logró convencerme de no abandonar la sala de cine. Una vez más cambia el tono de la cinta, de nuevo sin que se sienta forzado, al auténtico horror sobrenatural. A pesar de que la secuencia final es innecesaria, la película en su totalidad se salva y puedo decir que valió la pena verla. Y no sólo por la chica guapa.

El cuarto y último día de la masacre fue un maratón que revisó distintas propuestas del cine de género. Arrancó con Sobre-natural (The mist, Frank Darabont, Estados Unidos, 2007), adaptación cinematográfica de la novela homónima de Stephen King, de claras resonancias lovecraftianas. Bastante bien hecha, aunque en general no soy tan fan de ciertos elementos característicos de King. Me desagradan las posibles implicaciones del final y siento que la historia debería haber terminado varios minutos antes, pero de todas formas es recomendable.

Matar a un extraño (To kill a stranger, Juan López Moctezuma, México, 1982) es una cinta de culto a cargo de quien se dio a conocer con la controversial Alucarda (México, 1978). Alejándose del horror para explorar más bien el terror, nos presenta a Angélica María como una cantante italiana que decide reunirse con su marido en un país europeo no especificado, el cual está bajo el yugo de una brutal y represiva dictadura militar. Su coche rentado se accidenta en medio de la carretera y, en medio del camino, en un país extraño, sin hablar el idioma local, sin formas de comunicación (un recordatorio de que la gente no tenía celulares en alguna época), esta mujer recibe ayuda de un anciano. Pero éste, al llevarla a su hogar, demuestra no tener buenas intenciones. Un thriller implacable que obliga al espectador a preguntarse qué haría en una situación similar.

Dentro de la extensa filmografía de Tobe Hooper está Fuerza siniestra (Lifeforce, Gran Bretaña, 1985), que se niega a encasillarse en un sólo subgénero y rompe los límites entre ciencia ficción y horror. Plantea la existencia de una raza alienígena que dio origen al mito de los vampiros, quienes accidentalmente son traídos de vuelta a la Tierra y traen con ellos oleadas incontenibles de muerte. Con la impresionante presencia de Mathilda May -quien. por cierto, permanece desnuda durante casi todo su tiempo a cuadro-, la historia se desarrolla hasta alcanzar una victoria pírrica en nombre de la humanidad. O lo poco que queda de ella al final.

Otro estreno fue Sudor frío (Adrián García Bogliano, Argentina, 2010), película que no fue de mi agrado. Con un par de villanos que podrían dar para mucho más, los reduce a un par de viejos cascarrabias que desde chicos fueron sádicos y, al terminar su reino del terror como agentes del gobierno, decidieron torturar a la juventud para castigarla por su supuesta ignorancia. Retratando el choque generacional como algo vanal, abusando del diseño de audio para crear el efecto deseado en el público, recurriendo a excesos innecesarios y a desnudez gratuita (aunque de esa no me quejo tanto), me pareció francamente insufrible.

La última película que vi del maratón fue Masacre en el infierno (The Texas Chainsaw Massacre 2, Tobe Hooper, Estados Unidos, 1986), la cual se aleja muchísimo del tono de la primera entrega en esa saga (reseñada aquí). De por sí no me gusta mucho que digamos la original, esta secuela me pareció peor pues se reduce a secuencias en que una chica guapa corre gritando a todo pulmón, perseguida por un maniático con sierra eléctrica. Sí, eso me pareció un acierto en la primera película pues creó un cliché, pero repetirlo es otra cosa. Según Wikipedia, Hooper asegura que el tono de humor negro también estaba presente en la película original, pero los espectadores no lo notaron por el contenido realista e impactante. Tal vez, pero definitivamente los niveles de sátira se vuelven absurdos y ridículos en esta secuela y me dejaron con un mal sabor de boca.

Noctambulante - 3er Aniversario

2011-11-29T18:11:00.000-08:00

Pareciera que fue ayer cuando el Galerón cerró sus puertas y, a los pocos meses, se anunció el modesto principio de un nuevo proyecto de Pánico de Masas: el Noctambulante. Todo comenzó una noche, en el jardín de una casa vacía en Coyoacán. La concurrencia fue limitada, pero la programación fue satisfactoria. Con el paso de estos tres años, nuestro pequeño mosntruo ha crecido desmedidamente. Nunca me hubiera imaginado que en alguna ocasión se rebasarían los mil espectadores en un maratón. A finales del mes pasado festejaron su tercer aniversario, el cual fue presagiado por el siguiente promo, dirigido por mi querido Carlos Meléndez y con un cameo de quien escribe estas palabras:

Repitiendo una de las sedes utilizadas anteriormente, se dio cita al público noctámbulo en el Centro Cultural Carranza -cuyas áreas fueron rebautizadas en honor a Vincent Price, Dario Argento, Tom Savini y George A. Romero. Las festividades dieron inicio el viernes 28, con la presentación de la revista electrónica conmemorativa del evento, con textos sobre cine, horror y demás intereses del público frecuente. Denle click acá para leerlo y/o descargarlo.

El atasque de películas comenzó con Llámenme Mike (Alfredo Gurrola, México, 1979) y contamos con la presencia del director para presentarla. Miguelito es un policía que asume la culpa por evidencia -cocaína- "desaparecida" por su superior tras una redada. En la cárcel es atacado por otros presos y termina con heridas craneales graves. Al recuperar la consciencia, se redenomina Mike (léase como "maik") y cree estar inmerso en intrigas internacionales contra los comunistas. Pero al enfrentar sus amenazas imaginarias, devela la red de corrupción que -aún ahora- está presente en todos los niveles de las supuestas fuerzas del orden.

Lo que vi a continuación fue el estreno oficial de El huésped, primer capítulo de la serie social de horror Herida abierta. Carlos Meléndez es también quien está tras este proyecto, el cual se propone hacer historias de calidad que giren en torno al horror sobrenatural en capítulos autocontenidos que se difundirán por medio de las redes sociales. En esta primera entrega, Abel y Aurora empiezan a vivir juntos en una casa que están restaurando, pero él empieza a sentirse mal: se siente observado, escucha ruidos extraños y su cuerpo empieza a mostrar cambios sutiles pero inquietantes. Rindiendo homenaje tanto a David Cronenberg como a Horacio Quiroga, esta historia versa sobre transformaciones orgánicas como reflejo de cambios psicológicos.

Posteriormente vi Hisss (Jennifer Lynch, Estados Unidos-India, 2010), que es una cosa extraña y no sé si me gustó. La hija de David Lynch sin duda tiene una forma peculiar de hacer cine, o al menos de escoger sus proyectos. Me gustó mucho Vigilancia extrema (Surveillance, Estados Unidos, 2008) y me emocionaba el prospecto de ver ésta, su más reciente obra, pero me llevé una decepción. Realizada como una producción comercial de Bollywood, esta historia sobre la Nagin -una especie de diosa/cobra hindú que busca venganza al ser separada de su reptílea pareja- podría caber perfectamente en la programación de Cinema Golden Choice, con todo y sus efectos especiales no tan bien logrados. No soy especialista en cine hindú, pero sí creo que Lynch le imprime una mayor dosis de violencia y sangre en su aproximación.

Debido a un cambio en la programación, terminé viendo una que no planeaba ver. Guinea Pig 3: He never dies (Masayuki Kusumi, Japón, 1986) es la tercera entrega en esta serie, infame por lo detallado y realista de los efectos especiales usados para mostrar violencia y mutilaciones diversas. Nunca me habían llamado la atención, el morbo no es uno de mis principales motores, pero al menos esta película tiene un tono más bien ligero. Un joven se encierra en casa para intentar suicidarse, pero al contarse y no sentir dolor sigue cortando y cortando hasta darse cuenta de que, como dice el título, no puede morir. Entonces decide utilizar esta dudosa ventaja para "torturar" a otros haciéndoles presenciar su automutilación.

La siguiente función la ocupó Dellamorte dellamore (Michele Soavi, Italia-Francia-Alemania, 1994), también conocida como Mi novia es un zombie o Cemetery man. Esta delirante película mezcla horror, comedia y erotismo de buena manera, contando la historia de un guardián de cementerio que se encarga de mantener a los muertos en sus tumbas cuando éstos regresan. Enamorándose de una viuda, su vida cambia drásticamente con la llegada de distintas variaciones de la misma mujer. Como me quedé dormido en una parte aparentemente importante de la cinta, no sé bien cómo interpretarla. No obstante, me gustó mucho y me parece muy buena, sin duda volveré a verla.

La última función de esta primera jornada fue Hobo with a shotgun (Jason Eisener, Canadá, 2011). Al igual que Machete (Robert Rodriguez & Ethan Maniquis, Estados Unidos, 2010), el origen de esta película fue el trailer "de a mentiras" que se hizo para Grindhouse (Quentin Tarantino & Robert Rodriguez, Estados Unidos, 2007) para después verse expandido a una obra completa. Similarmente, recurre a un guión al más puro estilo de las producciones de bajo presupuesto, a la violencia extrema y a los discursos improbables. Es divertida, ingenua y maniquea, aunque prefiero el idealismo moral que la ambiguedad sociopática que, por ejemplo, podemos ver en Super (James Gunn, Estados Unidos, 2010).

Pero aquí no acaba la cosa. Al día siguiente hubo más actividades, comenzando con pláticas a las cuales, lamentablemente, no pude asistir. También hubo más festín fílmico, comenzando con In the mouth of madness (John Carpenter, Estados Unidos, 1995). Quizá la más lovecraftiana de las obras de este director, incluso el título hace referencia a dos de las principales obras de Lovecraft, jugando con Innsmouth y las montañas de la locura. Un investigador para una compañía aseguradora analiza los casos alrededor de la supuesta desaparición de un prolífico autor de novelas de horror cósmico, develando un oscuro secreto que surgió como un engaño pero al poco tiempo se convirtió en realidad, amenazando a toda la existencia. Cada vez me gusta más y más este director, tengo ganas de revisar su filmografía completa.

The comedy of terrors (Jacques Tourneur, Estados Unidos, 1964) es una divertida comedia negra sobre un enterrador (Vincent Price) que intenta matar a su suegro (Boris Karloff) para quedarse con el negocio. Como de por sí las ventas no van bien, se dedica a matar gente adinerada para después enterrarlos, ayudado por su reticente secuaz (Peter Lorre) -quien en secreto está enamorado de la esposa de su patrón. Una serie de complicaciones macabras llevan a un desenlace por demás hilarante, si bien un tanto siniestro. Como dato adicional que puede ser de interés, es la penúltima cinta de Tourneur, pionero del cine de serie b.

Desde hace tiempo tenía ganas de ver La noche del terror ciego (Amando de Ossorio, España, 1971), concretamente desde que leí El horror en el cine y en la literatura, de Norma Lazo. También el director español César del Álamo la mencionó como una película de horror indispensable en la filmografía del género en su país. Con elementos que no pueden faltar en una buena película de horror (al menos en mi opinión), mujeres hermosas con poca ropa y tendencias bicuriosas, la historia es meramente un pretexto para mostrar caballeros templarios zombies. Obviamente tiene muchas deficiencias, pero no me decepcionó en lo más mínimo.

Por fin se me hizo ver la más reciente película de George A. Romero, Survival of the dead (Estados Unidos, 2009). Con algunos personajes de su cinta anterior, Diary of the dead (Estados Unidos-Canadá, 2007), Romero continúa con su reboot de la serie que le dio fama. Al igual que en el comic The walking dead, se nos presenta a grupos aislados de sobrevivientes tras el holocausto zombie que enfrentan a los redivios día a día, así como unos a otros. Como en todas las buenas historias de zombies, lo importante es lo que hace la gente en circunstancias extremas, no tanto el hecho de que los muertos se nieguen a permanecer muertos y que tengan un apetito insaciable. Romero nos demuestra que aún tiene el toque que lo convirtió en el rey de los zombies (figurativamente, claro) introduciendo elementos nuevos que mantienen fresca la franquicia en particular y el subgénero de muertos vivientes en general.

Aquí me toca poner una queja a los organizadores: tenía planeado ver Room 205 (Martin Barnewitz, Dinamarca, 2007) pero, debido a que les valieron los horarios y adelantaron su proyección, cuando llegué al área en que estaba ya llevaba veinte minutos de empezada. Y me niego a ver una película empezada. Molesto, no tuve más que dirigirme a otra área donde volví a ver Elukka (Tatu Pohjavirta, Finlandia, 2005), la cual ya antes había revisado en este blog. También pasaron Freaks (Tod Browning, Estados Unidos, 1932), la cual he visto muchas veces y, aunque me sigue pareciendo excelente, ya me la sé de memoria. Entonces decidí dormir un poco. También reseñé esta cinta con anterioridad, cuando estuvo en otro Noctambulante.

Y así terminaron los festejos, con mucho cansancio pero gran satisfacción. Supongo que todo el público que sigue fielmente al proyecto está ansioso por ver qué sigue, así como para seguir apoyando iniciativas como las playeras de colección Serie B, la renovación de la página de internet del colectivo y sus nuevas secciones (incluyendo una escrita por su servidor) y lo que sea que se les ocurra a continuación. Como quien dice, esto no se acaba con un FIN sino con un CONTINUARÁ...

Actividad paranormal 3

2011-11-29T14:09:00.000-08:00

(Henry Joost & Ariel Schulman, Estados Unidos, 2011)

La primera (Oren Peli, Estados Unidos, 2007) me pareció bastante buena. Tiene el acierto de saber que da más miedo aquello que no podemos ver y logra hacer de una residencia suburbana común y corriente un lugar terrorífico. La segunda (Tod Williams, Estados Unidos, 2010) todavía está bien. El aumento en presupuesto solamente lleva a los realizadores a meter más personajes y más cámaras, pero conserva la sutileza de su predecesora. Explica un poco las cosas, pero mantiene el misterio. Hasta hubo una secuela japonesa no oficial, pero esa no la quise ver. Ahora, en la tercera entrega, ya desgastaron la fórmula. Muestran demasiado, abusan del diseño de audio estridente, no manejan bien el ritmo y explican más de lo prudente -cayendo en errores lógicos al tratar de justificar las cosas-. ¿Cultos satánicos que conservan evidencia de sus rituales en video para que, décadas después, un demonio la desaparezca? Por favor.

Relámpago

2011-11-29T13:47:00.000-08:00

(Speedy, Ted Wilde, Estados Unidos, 1928)

Como podrán notar al ver la imagen de arriba, pude disfrutar de una función musicalizada en vivo en la Cineteca. Ya antes había visto otra película con Harold Lloyd dentro del mismo proyecto de Bandas Sonoras, la divertidísima El hombre mosca (Safety last!, Fred C. Newmeyer & Sam Taylor, Estados Unidos, 1923), en aquella ocasión musicalizada por Fernando Rivera Calderón. Como desconozco el resto de la filmografía de este actor cómico y sé que es uno de los grandes, no podía perderme de esta otra cinta. Harold Swift, apodado Speedy, ayuda a su futuro suegro para salvar el último tranvía jalado por caballo en Nueva York, enfrentando complots y sabotajes por parte de quienes se verían beneficiados al poner más medios de transporte motorizados. La crítica al ritmo vertiginoso del entonces aún incipiente siglo XX es a su vez presurosa, con un ritmo dinámico que mantiene al espectador riendo todo el tiempo. Las piezas compuestas por la Polka Madre para acompañar a las imágenes refuerzan este sentido de premura, a la vez que hacen disfrutable la función con sus ritmos eclécticos, influenciados por el jazz, obviamente la polca y el rock. Tras finalizar el filme, tocaron todavía un par de canciones a instancias del público que no paraba de aplaudir.

Primeras partes (casi) siempre fueron buenas

2011-11-28T22:06:00.000-08:00

El pasado mes de octubre, como es costumbre, la Neurobunch y allegados nos reunimos en la afamada KGB para llevar a cabo nuestro maratón casero de cine. Esta vez decidimos revisitar aquellas primeras partes de sagas que poco a poco fueron desvirtuándose o mutando hasta convertirse en algo que casi nada tiene que ver con sus orígenes.

Antes de arrancar, tuvimos una pequeña función especial. Nuestro querido Carlos Meléndez, director estrella, proyectó para nuestro beneficio el primer capítulo de la serie Herida abierta, titulado El huésped. Pudimos disfrutar de dicho trabajo antes que nadie, pero lo reseñaré con mayor detenimiento cuando hable de su proyección dentro de Noctambulante.

Ya entrados en gastos, vimos otro trabajo de Carlos: Foco rojo. Este cortometraje fue realizado como parte del 48 hour film project México, el cual reunió a catorce grupos de participantes y, sorteando géneros, dio ciertos lineamientos para realizar filmes de máximo siete minutos. Cabe mencionar que el resultado de los esfuerzos de Mr. Blue (la productora de Carlos) fue merecedor del premio del público, entre otros. Sigan esta liga si quieren verlo ustedes mismos.

Para entrar en materia con el tema del maratón, arrancamos con Viernes 13 (Friday 13th, Sean S. Cunningham, Estados Unidos, 1980). Como con casi todas las slasher films, es interesante ver la postura moralista que condena el sexo entre adolescentes. Debido a un descuido de jóvenes consumidos por la calentura de sus hormonas, un jovencito murió ahogado. Desde entonces, una presencia vengativa se dedica a exterminar a quienes dan rienda suelta a sus pasiones carnales. Y a los que no también. Curiosamente, esta primera entrega no recurre a elementos sobrenaturales y forma parte más bien del género de terror, el cual fue abandonado por el horror desde la segunda parte.

Luego tocó su turno a Pesadilla en la calle del infierno (A nightmare on Elm street, Wes Craven, Estados Unidos, 1984), la cual cuenta con la primera actuación de un Johnny Depp muy chavito. La primera vez que vi este filme, el año pasado, tenía tanto sueño que me sentía como los personajes, pensando "no te quedes dormido, no te quedes dormido." Esta vez pude disfrutar mucho más de la magia de Craven, el cual se ha convertido en principal portavoz del subgénero slasher desde hace varios años. De nuevo son adolescentes calenturientos quienes se ven acosados, pero esta vez la amenaza es de origen sobrenatural y busca vengar un crimen de los padres al invadir el espacio onírico de sus víctimas. Lo mejor de la película es el planteamiento de que un sueño nunca es sólo eso.

Continuamos con The Texas Chain Saw Massacre (Tobe Hooper, Estados Unidos, 1974), quizá la primera película en la cual un demente armado con una sierra eléctrica corretea a una chica que grita desaforada a través de un bosque. "Inspirada" en el caso real de Ed Gain, lo impactante de este filme es su nivel de realismo casi documental, el cual convenció a muchos espectadores en su época de que estaban presenciando algo verídico. Si bien no me encanta pues considero que le falta historia -se limita a presentar a un grupo de personajes que nunca se desarrollan y mueren rápida y brutalmente-, su importancia histórica es innegable.

Para terminar, vimos la primera de Chucky, el muñeco diabólico (Child's play, Tom Holland, Estados Unidos, 1988). Ignoro si ese era su título en español, pero así es como todos la conocemos. Holland, de quien también conozco Fright Night (Estados Unidos, 1985), hace un excelente trabajo experimentando con una cámara en primera persona desde la perspectiva del diminuto asesino. Un criminal de la peor calaña es herido mortalmente y, para preservarse, transfiere su esencia a un muñeco. Posteriormente, intentará hacerse con un cuerpo nuevo, eligiendo al niño que dichoso recibió al malhabido juguete como obsequio. En general, las siguientes dos secuelas me parecían bastante buenas también, pero esta primera parte es excelente y autocontenida. Me recordó esas tardes cuando la pasaban en el canal 5 y no podía evitar quedarme pegado al televisor.

El árbol de la vida

2011-11-28T20:49:00.000-08:00

(Terrence Malik, Estados Unidos, 2011)

Gracia y Naturaleza. Sacrificio y apetito. Voluntad e instinto. El Dios del Nuevo Testamento y el del Antiguo. Perdón y castigo. Bien y Mal. Son algunos de los absolutos en medio de los cuales el Hombre se encuentra siempre atrapado, nunca por completo libre del influjo de ellos. En su camino de bifurcaciones múltiples, el ser humano debe decidir qué rumbo tomar. Por más que aspira a renunciar a su naturaleza, ésta nunca lo deja en paz y, al seguirla, se aleja de la Gracia Divina. Una vez dañado el lazo con ésta, la reparación es imposible. El hombre se parece más a su especie que a su Creador, muy a su pesar. No obstante, debe continuar protagonizando el breve capítulo que le corresponde interpretar en la historia de la Creación. Estas son las reflexiones que despertó en mí la más reciente cinta de Malik, legendario realizador que se vio favorecido al recibir la Palma de Oro en Cannes con ella. Según yo, es una película sobre Dios y sobre la vida. Me hizo recordar la conexión que sentía tener con el Divino durante mi infancia, así como los motivos por los cuales dejé de creer en Él. Este hermoso filme es ampliamente recomendable, pero con reservas: puede resultar pesado para quien no acostumbre ver cine contemplativo. Es como 2001: A space odissey (Stanley Kubrick, Reino Unido-Estados Unidos, 1968) en cuanto a su belleza, que va a la par de las dificultades que presenta al espectador, pero nunca se vuelve pretenciosa ni pedante. Su escala simplemente corresponde a la magnitud de los temas que aborda.

I'm still here

2011-11-28T20:26:00.000-08:00

(Casey Affleck, Estados Unidos, 2010)

Arriesgado falso documental, que sigue la trayectoria de Joaquin Phoenix tras haber anunciado su supuesto retiro del mundo de la actuación para convertirse en estrella de hip hop. Es a la vez una crítica al star system, a todos los advenedizos que quieren aprovechar su fama en un entorno para trasladarse a otro, y una reflexión sobre el poder de los medios para propagar y difundir memes viralmente. El "personaje" que interpretó Phoenix durante los varios años que duró la filmación del proyecto es insoportable y me queda la duda de qué tanto se parece al verdadero Joaquin. ¿Hasta qué punto puedes actuar cuando estás interpretándote a ti mismo? ¿Cuál es el límite entre la realidad y la ficción? Fuera de los interesantes cuestionamientos que pueda despertar, el filme se siente pesado y es muy experimental. El hermano menor de Ben Afflek tiene un debut de dudoso éxito como director. No recomendable más que para clavados como su servidor.

Detrás de las paredes

2011-11-28T20:15:00.000-08:00

(Jim Sheridan, Estados Unidos, 2011)

Tomada de pelo que, contada en orden cronológico, pierde todo el chiste. Para demostrarlo, ahí les va el spoiler (léanlo bajo su propio riesgo): un asesino de poca monta es contratado para matar a la ex esposa de un tipo adinerado, por equivocación entra en la casa de los vecinos y mata a la mujer incorrecta. El marido de la occisa llega tarde para salvarla, recibe un golpe en la cabeza y queda confundido. El malhechor huye y el viudo es culpado por las muertes de su esposa e hija. Para sobreponerse, crea una personalidad alterna y sale del manicomio para regresar a la casa en ruinas de su pasado, pero él la ve entera y resplandeciente. Los hechos se le van revelando hasta que duda de su cordura. El asesino y aquel que lo contrató vuelven para completar su trabajo, matando a la vecina y culpando nuevamente al desafortunado protagonista -quien ahora tiene fama de loco-. Lo que parece ser el espíritu de la difunta interviene para salvar el día. En resumidas cuentas, vueltas de tuerca forzadas, explicaciones excesivas e indesición por el género: nunca supe si en realidad había presencias sobrenaturales o si sólo se trataba de alucinaciones. Tache.

Los comics van al cine (por tercera vez)

2011-11-07T19:06:00.000-08:00

Los colaboradores de la revista Comikaze han estado organizando maratones nocturnos de cine de manera trimestral. No me enteré del primero, el segundo coincidió con un neuromaratón casero. No me iba a ser posible asistir al tercero tampoco, pero afortunadamente se pospuso el compromiso que tenía para esa fecha y pude darme una vuelta. Ya tenía rato -meses- de no ir a maratones nocturnos y buena falta me hacía. El evento aquí reseñado tuvo datos de trivia, café, regalos, revistas Comikaze (con un coqueto botón de Swamp Thing) y muchas cosas más. En general, fue una grata experiencia y ya quiero que organicen otro.

La noche arrancó con el primer episodio de la serie japonesa de Spider-Man, titulado algo así como Supaidaman: Time of revenge has come! Beat down Iron Cross group! En 1978, Marvel cedió los derechos sobre el personaje a la Toei, otorgándoles el permiso de hacer lo que quisieran con el mismo. El resultado fue una serie en la cual sólo se conserva el nombre del héroe y su traje de spandex, pero todo lo demás es radicalmente distinto: con poderes de origen extraterrestre, Takuya Yamashiro combate al grupo Iron Cross para vengar la muerte de su padre, enfrentando a monstruos gigantes asistido por su propio robot Leopardon, al más puro estilo Ultraman.

Luego vimos una auténtica antigüedad, el primer episodio del primer serial de películas de Batman, producido en 1943: The electrical brain. Dirigido por Lambert Hillyer, con Lewis Wilson y Douglas Croft como los primeros Batman y Robin de carne y hueso, este serial se apega mucho al espíritu de los orígenes del personaje, más como un vigilante pulp que como un superhéroe. Y combatiendo la amenaza amarilla tan característica de esa época.

La siguiente función fue Flash Gordon (Mike Hodges, Estados Unidos, 1980). Ingenua, ligera y bienintencionada, musicalizada por Queen, esta cinta es una auténtica joya. De esas cosas que, si hacemos a un lado la pedantería, podemos ver que son maravillosas por su espontaneidad que la acerca al cine de serie B, a pesar del gran presupuesto con el cual gozó. La edición que se proyectó incluye una breve entrevista con el ilustrador extraordinario Alex Ross, quien elaboró la portada para la misma (mostrada arriba), y que nos explica precisamente por qué es indispensable ver esta película al menos una vez en la vida.

Como el final del capítulo de Batman nos dejó tan picados, vimos el segundo episodio: The bat's cave. Lamentablemente, todos los episodios terminan en cliffhanger, por lo que habré de conseguir el resto del serial para verlo por mi cuenta. Pero vale la pena, es de esos clásicos que envejecen con dignidad.

En el momento más difícil de la noche tocó turno a Swamp Thing (Wes Craven, Estados Unidos, 1982). Cosa rara, atípica en la filmografía del reconocido director de horror, con un ínfimo presupuesto y un disfraz para el personaje que deja mucho que desear, padece de un ritmo lento y un tanto pesado, más aún a esas alturas de la madrugada. Preferiría por mucho volver a ver la serie televisiva que surgió a raíz de esta película.

Acercándonos al final, vimos Nick Fury: Agent of S.H.I.E.L.D. (Rod Hardy, Estados Unidos, 1998). Cinta hecha para televisión -y se nota-, con un guión a cargo de David S. Goyer -famoso hoy en día por sus guiones para los filmes de Batman dirigidos por Christopher Nolan- y la infame aparición de David Hasselhoff como el personaje titular. Lo que sea de cada quien, a pesar del bajo presupuesto y lo que podría esperarse de la participación del otrora "guardián de la bahía", el resultado es bastante cercano al espíritu de los comics de los 90. Vale la pena darle una oportunidad.

Para terminar la noche, vimos Super (James Gunn, Estados Unidos, 2010), película que nunca tuvo estreno comercial en nuestro país. Cuando vi el trailer, pensé que se tratar´¿ia de una especie de "Kick-ass meets Juno" por la estética indie y el tema de un vigilante urbano que decide hacer justicia por su propia mano inspirado por los superhéroes de las viñetas. No podía estar más equivocado. El realizador, quien comenzó su carrera escribiendo guiones para la Troma, nos presenta a gente enferma que se involucra en situaciones enfermas con desenlaces igualmente enfermos. Personas con moralidad más que ambigua, que pierden el control de lo que están haciendo y derraman sangre de manera preocupante. La violencia mostrada es muy realista y cruda, alejándose de lo que en un principio podría hacer sido graciosos y resultando francamente brutal. Inquietante y perturbadora, esta cinta amerita hablar a más profundidad de ella, cosa que haré más adelante.

Y así terminó una bonita velada de mucho spandex, superpoderes y datos geeks. Mis felicitaciones a los organizadores, se ve que saben hacer maratones nocturnos.

A history of violence

2011-11-07T18:11:00.000-08:00

Pues resulta que leí el comic -escrito por John Wagner, ilustrado por John Locke y publicado originalmente por Paradox Press, hoy Vertigo- y vi la versión cinematográfica -dirigida por David Cronenberg en 2005- para escribir mi artículo inaugural en una columna con los colegas de Pánico de Masas. Échenle un ojo si no lo han hecho aún.

Apollo 18

2011-11-07T18:03:00.000-08:00

(Gonzalo López Gallego, Estados Unidos, 2011)

Tomada de pelo que podría definirse como "La bruja de Blair y Actividad paranormal en el espacio." Subiéndose al tren del éxito gozado por Paranormal activity (Oren Peli, Estados Unidos, 2007), este filme explora la premisa de que la misión Apollo 18 no fue cancelada, sino que se llevó a cabo pero lo que descubrió se mantuvo en secreto por ser tan terrible: piedras que se mueven y atacan. Comienza con mucha seriedad, pero conforme avanza se les olvida que se supone se trata de pietaje auténtico y recurre a efectos demasiado retocados y a ángulos muy estéticos. Una auténtica pérdida de tiempo que sólo intenta capitalizar una tendencia de moda.

Contando a mis ex

2011-11-07T17:30:00.000-08:00

(Mark Mylod, Estados Unidos, 2011)

Definitivamente un placer culpable. Con una premisa un tanto machista -la cual tacha de "golfa" a una mujer que acumule más de veinte parejas sexuales en toda su vida-, me resulta curiosa la manera en que las comedias románticas confunden y hacen ambiguos los límites entre amor, sexo y matrimonio. Ally, preocupada por haber tenido relaciones sexuales con diecinueve hasta el momento -en la eterna búsqueda del príncipe azul-, decide elegir bien al vigésimo para casarse con él y estar dentro del límite de lo aceptable. Sin embargo, una noche de tragos acaba con sus esperanzas, por lo que decide buscar entre sus ex novios a alguno que haya "mejorado" y se haya convertido en un buen partido. En el trayecto recurre a su vecino patán para que le ayude a rastrearlos. Como es de esperarse, el patán también tiene sentimientos y creo que no le arruino nada a nadie al revelarles que al final terminan juntos. Predecible y bastante ingenua, es no obstante bastante divertida. No me puso de malas como otras películas del mismo subgénero, creo incluso que es la mejor comedia romántica que he visto este año. Aunque peca por completo de ser chick flick, poniendo al hombre "ideal" para muchas mujeres: con su lado indomable, patán y peligroso, pero en el fondo tierno y detallista. De esos que no existen.

En resumidas cuentas, me hizo reír, pasé un buen rato, y Anna Faris se ve MUY bien. Su cara es extraña, su voz puede llegar a ser fastidiosa, pero el cuerpazo que luce en esta cinta -apoyado por el vestuario que eligieron para ella- la hace ver maravillosa. Suficiente razón para echarle un ojo, al menos a mi parecer.

Gigantes de acero

2011-10-25T21:10:00.000-07:00

(Shaw Levy, Estados Unidos, 2011)

Sería fácil decir que se trata de una película más en la que un "elegido" recupera la fe en sí mismo y logra cambiar su mundo: se queda con la chica, recupera a su hijo, derrota al "villano" invencible y, considerando todo, triunfa como los grandes. En efecto, es todo eso, pero hay más. El director, que hasta ahora sólo había dirigido comedias, decide entrar al terreno de la Ciencia Ficción por la puerta lateral, haciendo algo lo suficientemente cercano a nuestra realidad cotidiana como para no alienar al público mayoritario. Realiza una película hollywoodense bien hecha, emocionante, emotiva y divertida. También se nota la mano del productor, Steven Spielberg: el personaje infantil llega a ser insoportablemente entrañable.

Ligeramente basada en un cuento de Richard Matheson, la historia se desarrolla en el cercano año 2020. El conflicto que enfrenta Charlie Kenton (Hugh Jackman) es interesante: un hombre venido a menos, boxeador de corazón hasta que fue reemplazado por androides, recorre amargado y sin esperanzas el país, con deudas hasta el cuello y ninguna obligación. El resurgimiento de un hijo al cual abandonó al nacer se le aparece como una oportunidad de hacer dinero por medio del chantaje, pero una vez que convive con su progenie se da cuenta de que el chico tiene mucho más de él de lo que quisiera admitir. Apoyado por la gente que nunca ha dejado de creer en él, reconstruye un robot de entrenamiento y juntos le infunden la chispa "humana" que lo lleva a triunfar una y otra vez contra todos sus oponentes.

A pesar de ser bastante complaciente, no está exenta de momentos duros. Un personaje fugaz -el de un redneck que se cobra una deuda a la mala- aporta una escena de sordidez que nos recuerda que no todo es de color rosado. Eso, los efectos visuales, el carisma de Jackman y las piernas de Evangeline Lilly son motivos suficientes para darse una vuelta por las salas de cine a echarle un ojo a esta cinta.

El diablo me obligó

2011-10-25T20:14:00.000-07:00

Si hemos de creerle al texto al final de la novela, este libro -que recién vio la luz este año dentro del sello Suma de Letras, de la editorial Santillana- surgió de manera similar al Frankenstein o el moderno Prometeo (1818) de Mary Shelley y El vampiro (1819) de John William Polidori. Tras una noche en Monterrey, en la cual tuvo lugar una charla sobre cazadores de demonios, Edgar Clement, Francisco Ruiz Velasco y el autor de la novela aquí reseñada, Francisco G. Haghenbeck, se propusieron escribir sus propias versiones del mismo tema. Haghenbeck ya antes había utilizado algunos de estos conceptos en el comic Crimson, del sello Cliffhanger y posteriormente de Wildstorm, que fue publicado a finales de los años 90. Clement los incorporó en sus novelas gráficas Operación Bolívar (Editorial Palneta, 1995) y Kerubim (Caligrama, 2007). Se supone que Ruiz Velasco está trabajando en un largometraje inspirado en las mismas ideas.

Elvis Infante, un chicano bastante entrañable, es un diablero: se dedica a capturar ángeles y demonios para su posterior venta a diversos interesados que los emplean para muchas cosas, que van desde la elaboración de drogas y bebidas alcohólicas (el infame chínguere) hasta su esclavización y uso en círculos de peleas clandestinas y apuestas estratosféricas. A él se unen el padre Benjamín -un sacerdote sin fe y con mucha suerte con las mujeres-, la Curlys -una prostituta que "vende" su cuerpo para ser poseída por demonios que son subsecuentemente capturados-, el capitán Potocky -un militar de ascendencia polaca que introduce a Infante a su verdadera vocación-, Trou Macaq -un negro del bayou con falso acento y más falsas lealtades- y muchos otros personajes igual de pintorescos en una historia de conspiraciones y realidades ocultas. Utilizando artículos ficticios, noticias y correspondencia entre altos mandos se construye una realidad parecida a la nuestra, pero mucho más siniestra.

Como ya antes ha hecho en otras de sus obras, Haghenbeck nos presenta un desarrollo que no es estrictamente cronológico, empezando en el presente para ir saltando hacia atrás y adelante, construyendo dos narrativas principales: una de hace un año en Los Ángeles y otra de cinco años atrás en las cuevas de Afganistán. A pesar de que dichos saltos temporales no crean confusión, tampoco aportan gran cosa a la trama, pues la información revelada en posteriores entregas de una línea temporal no afecta de ninguna manera a las otras. De igual manera, siento que me quedó a deber pues esperaba un desenlace en el cual convergieran las tramas pero cada cual tiene su conclusión por separado. Lo cual no es malo, pero siento que tenía potencial para más. También siento que el final deja demasiados cabos sin atar, deja las puertas muy abiertas como para una serie de secuelas. Eso me gustaría, pero hubiera preferido una obra autocontenida en sí misma. Otra queja es la muy deficiente edición, con muchos acentos que sobran o faltan y nombres que van perdiendo o ganando letras, como Von Raylond, que se vuelve Von Rayond e incluso en algunos pasajes llega a ser Von Rayon. Si bien esto no es defecto de la historia, este tipo de fallas rompen la magia de la narrativa al sacar al lector del trance.

Con una clara influencia de Clive Barker (de la cual me percaté), un humor reminiscente a Robert Rodríguez y un gusto por las historias de Alan Moore (los cuales no hubiera notado de no ser por la nota del autor), este libro tiene pasajes de auténtico horror y es bastante divertido, con varios personajes memorables y un ritmo ligero que facilita su lectura. Pero me siguen gustando más las novelas históricas de Haghenbeck, como El código nazi (Editorial Planeta, 2008) y, mi favorita, Trago amargo (Editorial Planeta, 2006).

Para no perder la costumbre, transcribiré mis fragmentos favoritos de la obra:

-Sólo son criaturas, como los dinosaurios. Existieron y funcionaron. Nosotros los humanos los adorábamos por no comprenderlos, como hacíamos con la tormenta o con un volcán. Los olvidamos y se convirtieron en adversarios de los cristianos -explicó el capitán sin dejar si sonrisa. Continuó su monólogo mientras guardaba algunos libros-: Debes entender algo, cabo Infante, este mundo ya no es el mismo que creó Dios. Ya no necesitamos ni ángeles, ni demonios. Son piezas de decoración obsoletas. ¿Quién se preocupa porque los atrapemos? ¿Qué persona se inquieta por los muebles usados?

-Si lo vas a hacer, hazlo bien, Infante. Recuerda que el mundo está lleno de demonios traicioneros y mujeres dolidas.

Pero era demasiado simple. Las cosas oscuras nunca son así, sino complicadas como la forma de pensar de una mujer, como las sospechas de una amante, como las envidias de una niña. El destino era femenino, por lo tanto, incomprensible.

El padre Benjamín salió de la mansión Von Rayond. Iba arrastrando las piernas. Se percibía vencido, apaleado por cada mala decisión tomada en su vida. Se sentó en las escaleras y comenzó a llorar. Las lágrimas fácilmente brotaron de sus ojos. No eran las muertes, ni la locura que dejaba atrás. Ésa ya estaba en sus venas nadando sin tapujos para nunca más dejarlo. Lo que más le dolía era que Schmitz se había ido creyendo que realmente él era un exorcista, que su cliente era un paranoico y debería agradecerle el haber salvado a su hijo. Lloró porque comprobó que el pecado sí paga, que los pecadores pueden salirse con la suya y ser perdonados por el destino. No había razones para continuar profesando una de en la que Dios era condescendiente con sus feligreses, e inclusive hasta cómplice de éstos.

-¿Por qué renunció?
-Porque me di cuenta de que la maldad humana no se ve. Está en nosotros como un órgano. Igual que el corazón o los pulmones. Los viejos dicen que no se puede engañar al Diablo, pero es mentira. Al que no se puede engañar es a Dios -comenzó a narrar bajándose de la comodidad del asiento. Se plantó junto al cabo Infante, Le sacó de su bolsillo un cigarro y lo prendió. Dejó que el tabaco se tornara en color atardecer-. Dios dejó libre a Satanás pues supuestamente iba a tentar a la humanidad. Sería el gran juego: Dios contra el Diablo. Pero lo que nadie sabía es que poseía el partido amañado. Había comprado desde mucho antes a los jugadores, a los hombres: cuando creó a la humanidad, le otorgó maldad, mucha, inclusive mayor que la del Diablo. Volvió así inservibles a los demonios que los tentarían, incluso a los ángeles que pregonarían su bondad. Con el pretexto del libre albedrío, se cargó todas las instituciones espirituales. Dios fue el primer anarquista de la historia.

Amigos con beneficios

2011-10-25T18:21:00.000-07:00

(Will Gluck, Estados Unidos, 2011)

A pesar de lo increíblemente vulgar y explícito del poster, la película en sí es bastante bien portada. Bajo la gastada premisa de dos personas que, hartas de las decepciones amorosas deciden engañarse creyendo que es posible negar las necesidades afectivas de ambos, deciden involucrarse en una relación meramente carnal. Sólo sexo, nada de sentimientos. Previsiblemente, fracasan y terminan declarando su mutuo amor de maneras excesivamente cursis. Tema ya revisado, con muchos mejores (pero de todas formas medianos) resultados, en la similarmente titulada (al menos en español) Amigos con derechos (No strings attached, Ivan Reitman, Estados Unidos, 2011)

Intenta abordar temas duros, como los estragos del Alz-Heimer en un miembro de la familia o la aparente inabilidad de desarrollar sentimientos derivada de trabas sociales, sin mucho éxito por la ligereza con que los trata. Innecesariamente larga, con algunos momentos graciosos pero ninguno auténticamente emotivo, explota más el atractivo sexual de Timberlake que el de Kunis por lo que no hay muchos motivos para que uno como hombre quiera verla. Y, al parecer, al público femenino tampoco le encantó. En general una película mediocre, ni tan mala como para llamarla bodrio pero definitivamente prescindible.

El día que vi tu corazón

2011-10-25T17:46:00.000-07:00

(Jennifer Devoldère, Francia, 2011)

Quise ver esta cinta francesa, la cual formó parte del 15° Tour de Cine Francés, por la participación de la actriz Mélanie Laurent. La había visto con anterioridad en el drama romántico Beginners (Mike Mills, Estados Unidos, 2010), el cual disfruté enormemente. Me resultó curioso que ambas películas comparten algunos temas: relaciones amorosas difíciles, el papel cuasi omnipresente de la figura paterna en la vida del protagonista, la muerte.

La cinta comienza de manera ligera, haciendo críticas jocosas a Starbucks y otras nimiedades contemporáneas. Justine, el personaje de Laurent, trabaja en una clínica de rayos x, vive temporalmente con su hermana menor tras su más reciente rompimiento amoroso, saca radiografías a diversos objetos como parte de un proyecto artístico e interactúa con muchas dificultades con su padre, el cual tendrá un nuevo hijo con su nueva esposa. Dada la inconstante e imprudente relación que han llevado a lo largo de toda su vida, Justine no considera a su progenitor como la persona ideal para traer otra criatura al mundo. Lo que ella no sabe es que su padre, como le resultaba difícil relacionarse con ella por ser mujer, intentaba acercársele a través de sus novios, con los cuales ha mantenido contacto aún después de los respectivos rompimientos, llegando al grado de darles empleo y convertirse en amigo y confidente de ellos.

Conforme el filme avanza, poco a poco va haciéndose de una carga emocional impresionante que estalla al momento de la conclusión. Muy emotiva y con un guión discreto mas poderoso, vale mucho la pena ver esta película. Si les hacen falta razones, la belleza de Laurent y la originalidad de su arte por medio de radiografías deberían bastar.

Blackest Night

2011-10-10T19:51:00.000-07:00

Lo que sea de cada quien, DC Comics sabe cómo hacer eventos de escala cósmica. Justo el otro día estaba recordando lo decepcionante que me resultó Civil War de Marvel Comics: su escritor, Mark Millar, se caracteriza por recurrir al shock value y esa miniserie no es la excepción. La premisa es buena, pero nada original: Squadron Supreme la revisó antes que nadie, Watchmen la llevó a su conclusión lógica, vamos, hasta Los Increíbles (The Incredibles, Brad Bird, 2004) hicieron la versión para toda la familia. ¡Spider-Man revela su identidad secreta! Sólo hasta que hace un pacto con el diablo para corregirlo. ¡Thor regresa de la muerte! Momento, es sólo un clon. ¡Mataron a Black Goliath! ¿Quién diablos era Black Goliath? ¡Los Fantastic Four se separan! (otra vez) ¡Iron Man toma decisiones dudosas! Por favor, solía ser alcohólico. ¡Arrestan a Captain America! Pero luego luego lo "matan" en su propia serie. En resumidas cuentas, puro espectáculo y nada de relleno. Por otra parte, al año siguiente, DC lanzó Final Crisis de Grant Morrison, la cual abre con la muerte de Martian Manhunter (un personaje verdaderamente relevante), en lugar de matar a otro Flash trae de regreso a Barry Allen, los malos ganan, Wonder Woman es convertida en una mujer-perro al servicio de Apokolips y Batman rompe su regla de no usar armas de fuego para luego ser víctima de la Sanción Omega.

Pero esta reseña es sobre la noche más oscura, quizás uno de los eventos más esperados en mucho tiempo dada la monumental expectativa que generaron a su alrededor. Desde el final de Sinestro Corps War se sembró la semilla, con los restos del Anti-Monitor viéndose capturados en el interior de una gigantesca batería de poder negra y con miles de anillos negros en busca de anfitriones. Durante el transcurso de los dos años siguientes se fueron desarrollando poco a poco los elementos de esta historia, sobretodo lo de la guerra de la luz entre las diversas facciones del espectro emocional. Finalmente los anillos negros entran en acción, reanimando cadáveres de héroes caídos, villanos fenecidos y amigos y familiares por igual. Al más puro estilo de una película de zombies, estos Linternas Negras atacan a superhéroes y civiles para sacarles el corazón y alimentar la batería de poder, acumulando energías para un fin y un amo misteriosos. Y, como era de esperarse, todo aquel que cae víctima de los redivivos es poseído por otro anillo negro, engrosando las filas enemigas.

La historia principal ocurre en la miniserie titular y en el título de Green Lantern, pero no se limita a estos. Todo comienza con Blackest Night: Tales of the Corps, en donde se nos narran historias de algunos miembros en las filas de los ejércitos combatientes en la guerra de la luz. De este modo nos familiarizamos con los conceptos y algunos protagonistas de la acción venidera. La recopilación también incluye dos números de Adventure Comics, en los que Superboy-Prime se enfrenta a los Linternas Negras cuya muerte ocasionó. Y a Alexander Luthor de Tierra-3 vuelto del más allá. Como siempre con este personaje metaficticio, la historia es más bien fastidiosa como él mismo.

En Green Lantern Corps vemos el ataque de todos los Linternas Verdes (ahora Negras) a la batería de poder, como parte de su plan de devorar los distintos espectros de la luz para sumir al universo nuevamente en oscuridad total. Se revela, al igual que en otros títulos, que quienes revivieron fueron "elegidos" por tener un lazo emocional con aquellos a los que combaten y cuyos corazones, rebosantes de emociones, quieren consumir. También se expone que la forma de derrotar a estas criaturas es mezclando dos distintas formas de la luz, forzando a quienes otrora fueran enemigos a una alianza por la supervivencia mutua.

Además de estas series, también hay varias miniseries revisando el involucramiento de algunos personajes en la saga. Blackest Night: Batman nos muestra al relativamente nuevo portador del manto del murciélago -Dick Grayson-, acompañado de su Robin -Damian Wayne- y el ahora llamado Red Robin -Tim Drake-, luchando contra los cadáveres de los padres de estos huérfanos y varios bati-enemigos muertos a lo largo del tiempo. Deadman los ayuda a encontrar una forma de darles la vuelta. En Blackest Night: Superman, Clark Kent visita a Superboy en Smallville sólo para hacer frente a Superman y Lois Lane de Tierra-2 junto al Psycho-Pirate. Blackest Night: Titans nos muestra el regreso de algunos Teen Titans caídos en batalla, incluyendo a la infame traidora, Terra. Simultáneamente, las nuevas Hawk y Dove se enfrentan al Hawk original, descubriendo que Dove está unida a una luz blanca que repele y destruye a los Linternas Negras.

La miniserie Blackest Night: Flash es protagonizada por Barry Allen, quien apenas está ajustándose al mundo tras haber regresado de la Speed Force (por no decirle muerte) y todavía no sabe bien a bien quiénes están vivos y quienes muertos. Una subtrama nos presenta a los rogues, haciéndole frente a sus propios muertos. Algunas de las historias llegan a ser repetitivas: se nos cuenta quiénes regresan de la muerte, los héroes descubren cómo hacerles frente y desarrollan una forma de destriur a los Black Lanterns. Blackest Night: JSA es un ejemplo de esto. En cambio, Blackest Night: Wonder Woman desarrolla su historia a la par que el evento principal, con la protagonista yendo de combatir a Max Lord a volverse una Black Lantern ella misma, para terminar como una Star Sapphire de reserva. Mi parte favorita es la segunda, en la que vemos la voluntad de Diana Prince sometida a la voracidad del anillo negro.

Pero los muertos no fueron los únicos que regresaron en esta aventura: varios títulos cancelados de DC tuvieron un número más en su continuidad, mostrando cómo ciertos personajes del Universo DC se vieron afectados por esta noche tan oscura. Algunos están más inmiscuidos en la historia principal, como The Atom and Hawkman -en la que Ray Palmer, como miembro de la Tribu Indigo, se enfrenta a su difunta esposa una vez más-, Green Arrow (el cual no es parte de los títulos "resucitados" pero sí un one-shot importante) -donde un Oliver Queen lucha contra el anillo negro que tomó posesión de él, haciendo un uso muy interesante del arte para reflejar la perspectiva de la mente dentro del zombie- y The Phantom Stranger -que nos promete un papel relevante del cuerpo de Deadman en cual nunca se resuelve, habremos de ver si en Brightest Day atan este cabo suelto-.

Otros de estos capítulos sueltos son menos relevantes y padecen de la repetitividad ya mencionada, en particular el de Catwoman. The power of Shazam! nos brinda una historia un tanto diferente, pues el Osiris Linterna Negra es relativamente inmune al influjo de la sortija debido al origen mágico de sus poderes. The Question y Starman continúan historias propias a sus personajes, un tanto oscuras para quienes no estamos familiarizados con ellos. Y Weird Western Tales es más weird que western.

Pero aquí no acaba la cosa, algunos títulos del Universo DC también dedicaron un par de números a reflejar los efectos de esta noche sin luz en las vidas de algunos personajes. Booster Gold se enfrenta a su fallecido amigo Ted Kord -Blue Beetle-, cuya muerte aún resuena y duele. Doom Patrol tiene muchos más muertos que los que vinieron a importunarlos, y la historia se queda muy a medias. Justice League of America tiene a un muy golpeado y reducido equipo haciendo frente como puede a sus antiguos compañeros de la oscura Justice League Detroit, incluyendo un superhéroe chicano (que está mejor muerto). Adicionalmente, quiero agregar que ya no tolero el arte de Mark Bagley: hubo un tiempo en que lo amé (cuando dibujaba Amazing Spider-Man), pero ahora lo detesto. Outsiders continúa la historia de Terra tras su visita a Titans Tower, pero otros muertos acosan al resto de este equipo. Uno de mis títulos favoritos fue R.E.B.E.L.S. Y no es por el manejo particular que se dé al evento, ni por la historia que viene de números previos y que continúa en números posteriores, es simplemente porque está MUY bien escrita, fluida y cautivante de principio a fin aunque uno desconozca a los personajes (y acompañada de buen arte). Uno de los comics "resucitados" fue Suicide Squad, pero no lo mencioné en el párrafo anterior pues su historia continúa en Secret Six. También disfruté enormemente de esta historia con villanos llevando a cabo operaciones sucias. Superman/Batman, a cargo de Scott Kolins, continúa la historia presentada en un preludio en Solomon Grundy, con el eterno zombie regresando como un Black Lantern para importunar a Man-bat y a Bizarro, figuras de por sí trágicas. Por último, Teen Titans nos trae la torcida historia familiar de Deathstroke y Ravager, rayando en lo melodramático pero conservando el buen gusto.

En general, la mayoría de los comics aquí reseñados cuentan buenas historias. Al mostrar a quien orquestó semejante ataque contra la vida como la conocemos, también se explicó de manera bastante convincente cómo es que muchos superhéroes han regresado de la muerte. Resulta que todo era parte de un plan malévolo, y no sólo de los editores para quitarles su dinero a los fanboys. Como resultado tras la conclusión de la serie, se supone que ahora sí ya nadie puede revivir. A ver cuánto les dura la intención, que ya en alguna ocasión Marvel dijo lo mismo y sólo bastó que cambiaran de presidente para regresar a sus políticas antiguas.

Quizás esta reseña no es muy completa: no analizo a detalle las historias ni tampoco abordo a profundidad la labor de los artistas. Pero es difícil hablar de una saga tan larga, con tantos colaboradores, haciéndole justicia a cada uno y sin revelar demasiado de la trama para no arruinar las sorpresas. Espero que más bien les sirva para despertar su interés por al menos parte de las historias que leí, para que puedan dirigir sus lecturas y encaminarlas a lo que llame más su atención.

No temas a la oscuridad (ayer y hoy)

2011-09-29T18:35:00.000-07:00

(John Newland, Estados Unidos, 1973/Troy Nixey, Estados Unidos, 2011)

El pasado domingo, los miembros de la Neurobunch nos reunimos para hacer nuestro propio programa doble de cine: vimos la versión original de esta película en DVD para después ir al cine a ver el remake. Como todos somos seguidores acérrimos de todo lo que haga Guillermo del Toro (sí, todos), queríamos ver la versión de los 70 para saber qué llevó a Memo a coescribir y producir la nueva.

Este gato de los créditos iniciales ni siquiera viene al caso...

La primera película ya tiene status de culto y no es por nada: cuenta la historia de una mujer que se muda con su marido a la antigua casa de sus abuelos, donde inadvertida e imprudentemente libera unas presencias malignas que no descansarán hasta acabar con ella. No obstante, tiene sus fallas. Las criaturas no pasan de ser una amenaza menor y demasiado contenida, además de ser sólo tres. Una vez que aparecen a cuadro se pierde el encanto, la verdad no han envejecido nada bien. Incluso hay graves errores de producción, con escenas de noche filmadas a plena luz del sol. Interesante como curiosidad, pero definitivamente no tan memorable como era de esperarse.

Como que tres monstuitos no daban tanto miedo... ¿qué tal cientos de ellos?

En cambio, el remake... Es un claro ejemplo de por qué se deben hacer remakes y cómo. Respeta profundamente todos los elementos del material fuente sin necesidad de copiarlos cuadro por cuadro. Y más allá de solamente acercarla a nuevas generaciones, corrige y aumenta la historia, dándole más cuerpo, más "carnita." Se explican y justifican a la perfección los aparentes huecos narrativos. Se rinde homenaje explícito a Arthur Machen, así como otros de manera velada a otros muchos autores de la literatura de horror: Algernon Blackwood, H. P. Lovecraft, Edgar Allan Poe y Peter Straub.

Y también el aspecto de las "hadas" es más temible ahora.

Las criaturas se vuelven una amenaza real, tanto en número como en peligrosidad. Además, se les inscribe firmemente dentro de la corriente en la cual las hadas son auténticos monstruos y no los seres inofensivos en los cuales se han convertido dentro del imaginario colectivo, al igual que en la obra de Neil Gaiman y en otra obra de del Toro, El laberinto del fauno (México-España, 2006). Hablando de Gaiman, varios elementos me recordaron a Coraline: la casa "nueva" con la "puerta" misteriosa, la niña que debe valerse por sí misma al enfrentar la oscuridad fantástica.

La misteriosa puerta tras la cual acecha el horror.

Entre las adiciones, se decidió de manera bastante acertada hacer a la protagonista una niña, cambiando la "obstinación femenina" que desencadena el problema en la original (mostrada bajo una luz un tanto misógina) por una auténtica curiosidad infantil que responde a necesidades afectivas. Para actualizar la trama no hace falta poner elementos sórdidos o extremos, basta con introducir una familia dividida, una búsqueda profesional comprensible y las dificultades de criar niños hoy en día, en particular si son ajenos.

Katie Holmes, engalanando la pantalla.

Gran tensión -dramática y hasta física-, buenos sustos que hasta lo hacen brincar a uno, un gran guión -se nota la mano de Memo en el mismo-, buenos efectos visuales y actuaciones sólidas hacen de esta cinta quizás una de las mejores del año, indispensable verla.

Si fueras yo

2011-09-29T18:00:00.000-07:00

(David Dobkin, Estados Unidos, 2011)

¿Quieren una razón para ver esta película? ¿Qué les parece esta?

¿Todavía no están convencidos? Ok, entonces qué tal esta razón:

Bueno, por si aún lo están pensando, la razón definitiva: Olivia Wilde en lencería (lo siento, no encontré imágenes en internet de eso). Esas son las únicas razones para ver este filme que, más allá de la presencia de tan núbil mujer, no pasa de ser una película con un guión poco imaginativo revisitando una idea trillada sin aportarle gran cosa. Podríamos decir que es una bromantic comedy (burdamente traducido como "comedia romántica de cuates, o carnales), entretiene, no es tan vulgar como podría ser, hace reír un poco y hasta ahí. Un par de amigos intercambian lugares y cuerpos por medio de pseudomagia mal planteada e irrelevante, lo cual lleva a situaciones desesperantes y luego curiosas, les hace ver su realidad desde otra perspectiva y valorarla. Ya todos nos sabemos esa historia. Sólo véanla si de plano no hay nada más que hacer.

Fright Night (versión 2011)

2011-09-26T20:07:00.000-07:00

(Craig Gillespie, Estados Unidos, 2011)

Tal vez hoy en día poca gente lo sepa, pero este filme es un remake del clásico de 1985 escrito y dirigido por Tom Holland. La película original es una comedia divertidísima que, si bien maneja la historia con muchas carcajadas, no es una parodia ni carece de peligros auténticos para los personajes (muy como lo que hicieron Simon Pegg y Edgar Wright en 2004 con Shaun of the Dead, que se toma muy en serio la trama y los elementos característicos del mito que revisa pero de una forma ligera e hilarante). En esta nueva versión dejan de lado la comedia. Hay algunos momentos graciosos y de vez en cuando nos hace reír, pero definitivamente se sale del género y se inscribe más bien en los anales del suspenso y el horror, con bastante sangre y gore de por medio.

La premisa básica es la misma: Charlie es un joven preparatoriano que descubre que su vecino es un vampiro e intenta detener sus depredaciones. Tiene un amigo (Ed, o Evil) y una núbil (Amy), también está su madre y Peter Vincent, un personaje de la farándula (en la original es un anfitrión de un show televisivo con películas tipo Vincent Price, en el remake un mago de Las Vegas estilo Criss Angel). Y claro, el nefasto chupasangre: Jerry. El único personaje que me gustó cómo retrabajaron es Vincent, al cual le dan una dimensión de humanidad y profundidad menos resonante en la original. Pero el resto de los personajes reciben giros no muy favorecedores. El mismo Jerry pierde todo el glamour y la elegancia para verse convertido en una bestia irrefrenable.

Las primeras dos partes de la cinta son bastante aburridas, se trata sólo de una película de vampiros más. Toma elementos de The Lost Boys (Joel Schumacher, Estados Unidos, 1987) y de 30 Days of Night (David Slade, Estados Unidos, 2007), incluso un elemento visual que me recordó a Jennifer's Body (Karyn Kusama, Estados Unidos, 2009), pero carece de identidad propia. Agrega un par de giros al mito del vampíro -sobre lo de la "invitación"- pero nada espectacular. Tiene más violencia y tensión -la cual llega a ser física- y algunas buenas secuencias, pero hasta ahí.

No obstante, el tercer acto hace que valga la pena. El desarrollo previamente mencionado de Peter Vincent, la estrategia inventiva para derrotar al monstruo y la pelea en la guarida del mismo levantan de buena manera una obra que parecía no poder alcanzar ningún nivel de relevancia. Aunque a la hora de la resolución, el dilema de "¿lo harán o no?" entre Charlie y su novia -sacado directito de la original- carece de sentido en nuestra época. Me sigo quedando con la original.

La oportunidad de mi vida

2011-09-26T18:22:00.000-07:00

(Nicolas Cuche, Francia-Bélgica, 2010)

Como parte del 15° Tour de Cine Francés, sólo pude ver esta película. La verdad no me interesaba mucho ver ninguna en particular, sólo fui por acompañar a mi madre y a mi hermana. (Bueno, la que sí me interesaba no la pude ver, se me escapó.) No tengo mucho que decir al respecto. Es una comedia romántica que, por fortuna, logra salirse de la mayoría de las fórmulas o clichés del subgénero, pero no del todo.

Julien es un hombre no muy carismático ni apuesto quien, debido a su largo historial de fracasos románticos, está convencido de que le trae mala suerte a las mujeres que deciden amarlo. Irónicamente, es muy exitoso como consejero matrimonial y ha salvado a muchas parejas del divorcio, empezando por sus padres cuando era todavía un pequeñuelo. En la boda de uno de sus logros profesionales conoce a Johanna, mujer excepcional que, para variar, está casada y es inalcanzable. De manera previsible, terminan involucrándose y la historia avanza por diversos caminos, algunos de sobra conocidos y otros menos familiares.

Entre sus fallas se encuentra el hecho de que no se decide en irse por el lado "mágico" o el realista y la indefinición afecta al filme. También se agregan algunas secuencias que, por muy bien logradas que estén, no aportan nada. Y en más de una ocasión recurre al humor más vil y poco imaginativo: el escatológico/sexual. También el ritmo es inconstante, pero en este caso no es una falta mayor pues le ayuda a librar el giro tradicional de la comedia romántica (toda la secuencia de ella-está-molesta-y-él-corre-y-se reencuentra-con-ella-y-se-besan-y-se-abrazan-y-se-reconcilian-y-fin). El planteaminento sobre la naturaleza de las relaciones es a la vez interesante e inteligente pero, de cualquier forma, no la recomiendo. Mas que por la núbil. Y ni está tan núbil, es más bien rara.

Cowboys & Aliens

2011-09-23T21:52:00.000-07:00

(Fred Van Lente, Andrew Foley & Luciano Lima, Platinum Studios / Jon Favreau, Estados Unidos, 2011)

No hay ni a cual irle: la película es mala, el comic es aún peor. Platinum Studios se ha creado la mala fama de crear comics con el único propósito de vender los derechos para adaptar sus historias a otros medios. Dicho sea de paso, les importa un reverendo pepino la calidad de sus obras con tal de que puedan sacar dinero de ellas.

Las nocivas luces en el cielo.

Lo único que tienen en común la "novela gráfica" y el filme es el título. Vamos, ni siquiera los nombres de los personajes son los mismos. Y debería llamarse Cowboys & Aliens & Indians, de tan absurda y ridícula que es. Sólo faltó que le agregaran zombies y ninjas.

Las naves espaciales.

La "versión" impresa está basada en una idea de Scott Mitchell Rosenberg, fundador de la infame editorial y creador de conceptos tales como Men in Black. La premisa no es del todo mala, se plantea a los alienígenas como conquistadores que sienten tener el derecho de imponer su cultura sobre especies menos desarrolladas tal y como los colonizadores hicieron en América, África y otras partes del mundo. Pero más allá de un mañoso y breve prólogo ilustrado competentemente por Dennis Calero no se desarrolla esta noción.

La persecución obligada.

El resto de las páginas está ocupado por un arte mediocre a cargo de Luciano Lima y una historia a medias con personajes trillados sin desarrollo alguno. Los vaqueros se defienden de los temibles y salvajes pieles rojas cuando cae una nave del cielo. Los extraterrestres (con un aspecto nada imaginativo) deciden apoderarse del planeta así sin más pero algunos terrestres se apoderan de artefactos que les ayudan a defenderse. Uniendo fuerzas, apaches y vaqueros (con ayuda de una esclava de otro planeta) derrotan a los malosos. Fin. En la última página intentan darle un giro que a nadie podría importarle después de haber sufrido de las primeras noventa y nueve páginas.

Los mentados aliens.

La película mejora un poquito las cosas, pero no mucho. En un típico déjà vu de cualquier western, hay un forajido buscado por la ley, un magnate que posee al pueblo y de paso lo aterroriza, y mucha mala voluntad entre todos. No falta el padrecito rudo y el cantinero bienintencionado. En medio de todo eso, luces en el cielo interrumpen la discordia para robar gente. Las criaturas celestiales -o quizá infernales- y sus vehículos resultan ser impenetrables para la artillería terrícola. Los humanos siguen el rastro de los monstruos para recuperar a los suyos y en el camino se encuentran a los indios, los cuales aceptan unírseles. A la mera hora resulta que, inexplicablemente, los "villanos" no son tan invulnerables como parecía. Ah, y vienen a la tierra buscando oro, háganme ustedes el favor.

Los personajes femeninos.

Los dos personajes femeninos del comic -una vaquerita y la "espía" alienígena- se fusionan en uno solo, interpretado por Olivia Wilde (cuyos hermosos ojos constituyen la única razón de peso para ver esta cinta). El guión se esfuerza por intentar dar unos giros a la trama antes del final (aunque yo siempre sospeché que Ella era de otro planeta), algunas cosas que no se ven venir y que evitan la complacencia descarada de la historieta (donde el vaquero se enamora de la marcianita y el apache de la pelirroja). De cualquier forma, la trama tiene huecos que de ninguna manera se pueden justificar. Y ultimadamente, no se trata de un buen western, ni de una buena película de extraterrestres, ni de Ciencia Ficción inteligente, ni de un producto de calidad satisfactoria. Entretiene a medias, a ratos aburre, no aguanta ningún tipo de análisis, pero sigue siendo preferible a su supuesta inspiración en papel y tinta.

Lo único bueno de la película: los ojazos de esta mujer.

El vino del estío

2011-09-18T23:16:00.000-07:00

En definitiva, Bradbury es ahora uno de mis autores favoritos. Este libro, publicado en 1957, es simple y sencillamente mágico. Por varios motivos. Para empezar, es sobre la magia de la infancia, sobre esa etapa en que todo está cubierto por un hálito de misterio y descubrimiento, cuando todo es posible y maravilloso. También habla sobre la magia en la que creen los niños, cuya imaginación otorga verdad a las supersticiones, a lo fantástico. Además, de alguna forma -seguramente no planeada- también aborda el tema de la magia verdadera, la que está al alcance de cada uno de nosotros: esa magia que consiste en rituales, en crear la realidad día a día, colectiva o individualmente. Por último, y tal vez de mayor importancia, está la magia del autor, quien es creador y re-creador de su mundo ficticio y sus memorias respectivamente, y de este modo también altera su realidad.

La novela da inicio con Douglas Spaulding, de doce años, en el amanecer del primer día del verano de 1928. Por medio de un rito hace que su pueblo cobre vida, ordenándoles levantarse y proceder a sus correspondientes actividades. A su vez, el final cierra cíclicamente con Doug mandando a todo mundo a dormir cuando la estación termina, dictando su final definitivo. Pero durante esos tres meses muchas cosas pasan: se da cuenta, cabalmente, de que está vivo y, por ende, de que algún día habrá de morir; se ve confrontado al temor a la muerte, a la pérdida de amigos, familiares y conocidos, a la decepción del mundo y la tecnología, al desamor ajeno; pero también aprende sobre el valor de las cosas pequeñas, lo interminable de lo cíclico, la existencia infinita de la vida a través de la memoria y el heroísmo. Ultimadamente, decide seguir viviendo, pero aceptando los aspectos negativos también.

Como otras de sus obras, este libro está compuesto por varios relatos que se entrelazan en una narrativa mayor. La novela abunda con descripciones hermosas, añoranza por el pasado y un ligero desprecio a la modernidad, reivindicando el valor de las tradiciones sin negar el progreso. A pesar de ser ligeramente autobiográfica, no está exenta de tener tintes fantásticos y hasta de horror, con todo y un asesino serial y un temor sobrenatural a la muerte.

Para celebrar que esta es mi reseña número doscientos, ahora compartiré con ustedes una cantidad de fragmentos mucho mayor que lo acostumbrado. Espero lo disfruten. Los comentarios entre paréntesis son míos, para darles una idea del contexto.

(Una mañana, Doug, su padre y su hermano Tom salen a cosechar fresas. Douglas despertó presintiendo que ese día ocurriría algo importante y, tras una breve pelea amistosa con su hermano, tumbado en el piso, tiene una revelación:)

El mundo, como el iris gigante de un mundo aún más gigantesco, que también acababa de abrirse, agrandándose para abarcarlo todo, le devolvía la mirada. Douglas supo que había saltado sobre él y ya no se iría.

Estoy vivo, pensó.

Le temblaron los dedos, brillantes de sangre, como los jirones de una extraña bandera, recién encontrada y nunca vista, y se preguntó a qué país debería agradecer el homenaje. Reteniendo a Tom, pero sin saber que estaba allí, se tocó esa sangre como si pudiera pelarla, sostenerla, darla vuelta. Luego soltó a Tom u se acostó de espaldas con la mano en alto, y en su cabeza los ojos miraron como centinelas por las troneras de un raro castillo a lo largo de un puente, su brazo, los dedos donde el brillante penacho de sangre temblaba a la luz.

-¿Estás bien, Douglas? -preguntó Tom.

La voz venía de un pozo de moho verde, de algún lugar sumergido, secreto, alejado.

La hierba murmuraba bajo el cuerpo de Douglas. Bajó el brazo, con su vaina de pelusa, y sintió, muy lejos, allá, los dedos que crujían en los zapatos. El viento suspiró en los caracoles de las orejas. El mundo se deslizó brillantemente por la superficie vidriosa de los ojos, como imágenes centelleantes en una esfera de cristal. Las flores eran de sol y encendidos puntos celestes, esparcidas por el bosque. Los pájaros aleteaban como piedras que golpeasen la superficie del vasto e invertido estanque del cielo. El aire pasaba con violencia entre los dientes, entrando como hielo, saliendo como llamas. Los insectos conmovían el aire con una claridad eléctrica. Diez mil cabellos crecieron un millonésimo de centímetro en la cabeza de Douglas. Oyó los corazones gemelos que le golpeaban los oídos, el tercer corazón que le golpeaba la garganta, los dos corazones que latían en las muñecas, el corazón real en el pecho. La piel se le abrió en un millón de poros.

¡Estoy realmente vivo!, pensó. ¡Nunca lo supe, y si lo supe no recuerdo!

(Como Douglas no regresa a casa y ya es de noche, Tom y su madre salen a buscarlo. Se detienen a la orilla de la siniestra cañada:)

Aquí y ahora, abajo, en aquel pozo de salvaje negrura había algo que Tom nunca conocería o entendería. Criaturas anónimas que vivían a la sombra de los árboles, en el olor de la podredumbre.

Y él y su madre estaban solos.

La mano de su madre tembló.

Tom sintió el temblor... ¿Por qué? Ella era más grande, más fuerte, más inteligente que él, ¿no? ¿Sentía ella, también, aquella amenaza intangible, aquello que asomaba en la sombra, aquella malignidad agazapada? Entonces, ¿no traían fuerzas los años? ¿No había un refugio seguro en la vida? ¿No había ciudadela carnal capaz de resistir los confusos asaltos de las medianoches? Las dudas asaltaron a Tom. Sintió otra vez el helado en la garganta, el estómago, la espalda y los miembros. Se sintió de pronto tan frío como un viento escapado del mes de diciembre.

Comprendió que todos los hombres eran así, que todos eran seres únicos y solitarios. Una unidad, una unidad entre otros, siempre con miedo. Como aquí, ahora. ¿Si gritara, si aullara pidiendo auxilio, importaría realmente?

La negrura podía alcanzarlos rápidamente, una negrura devoradora. En un titánico y helado momento todo habría terminado. Mucho antes del alba, mucho antes que la policía sondeara con sus linternas el oscuro y perturbado sendero, mucho antes que los hombres de mentes temblorosas pudieran arrojar una piedra. Aunque estuvieran a menos de quinientos metros, y pudiera contar realmente con ellos, en tres segundos una oscura marea se alzaría para arrancarle diez años y...

El impacto esencial de la soledad de la vida sacudió el cuerpo de Tom. Mamá estaba sola, también. Ella no contaba con la santidad del matrimonio, la protección del amor familiar, la Constitución de Estados Unidos o la policía del pueblo. No contaba con nada, en ese instante, sino con su propio corazón. Y allí nada encontraría, sólo una repugnancia indomable, y miedo. En ese instante su problema era un problema individual. Debía aceptar su soledad, y aceptarla además como punto de partida.

(Leo Auffman, un hombre del pueblo, se obsesiona creando una Máquina de la Felicidad y descuida a su familia al hacerlo. Su esposa, quien amenaza dejarlo, cede a la petición de su marido y usa la máquina antes de tomar su decisión. Tras utilizarla, es embargada por una gran tristeza:)

-Leo, cometiste un error. Olvidaste que en algún momento, algún día, uno tendría que salir de aquí e ir a lavar platos y hacer camas. Cuando estás adentro, sí, la puesta de sol parece ser eterna, el aire huele bien, la temperatura es agradable. Todo lo que quieres que dure, dura. Pero afuera, los chicos esperan el almuerzo, las ropas necesitan botones. Y seamos francos, Leo. ¿Cuánto tiempo puedes mirar una puesta de sol? ¿Quién quiere que una puesta de sol no acabe nunca? ¿Quién desea una temperatura perfecta? ¿Quién desea que el aire huela siempre bien? Al cabo de un tiempo, ¿quién lo notará? Si la puesta de sol dura un minuto o dos, mejor. Luego, pasemos a otra cosa. La gente es así, Leo. ¿Cómo has podido olvidarlo?

(Tras enterarse de que su mejor amigo se muda a otro estado, Doug se siente desamparado. Va con su hermano y le dice:)

-Tom -dijo Douglas-, prométeme algo, ¿sí?

-Prometido, ¿qué es?

-Eres mi hermano y te odio a veces, pero no te separes de mí, ¿eh?

-¿Me dejarás entonces que ande contigo y los mayores?

-Bueno... sí.... aun eso. Quiero decirte que no desaparezcas, ¿eh? No dejes que te atropelle un coche y no te caigas en algún precipicio.

-¡Claro que no! ¿Por quién me tomas?

-Y si ocurre lo peor, y los dos llegamos a ser realmente viejos, de cuarenta o cuarenta y cinco años, podemos comprar una mina de oro en el Oeste, y quedarnos allí, y fumar y tener barba.

-¡Tener barba, Dios!

-Como te digo. No te separes y que no te pase nada.

-Confía en mí.

-No me preocupas tú -dijo Douglas-, sino el modo como Dios gobierna el mundo.

Tom pensó un momento.

-Bueno, Doug -dijo-, hace lo que puede.

(Bill Forrester, un periodista de treinta y un años, conoce a la señorita Loomis, de noventa y cinco. Un extraño romance surge entre ellos:)

-¿Cree entonces que yo era bonita?

Bill asintió de buen humor.

-Pero ¿cómo puede saberse? -preguntó la mujer-. Cuando uno se encuentra con el dragón que se ha comido al cisne, ¿se guía uno por las pocas plumas que han quedado en las fauces? Un cuerpo como este es un dragón, todo escamas y pliegues. Así que el dragón se comió al cisne blanco. No lo veo desde hace mucho. Ni siquiera recuerdo cómo era. Pero está ahí, a salvo, adentro, todavía vivo. El cisne esencial no ha cambiado una pluma. ¿Sabe usted ?; algunas mañanas de primavera y otoño salgo a caminar y pienso: ¡correré por la hierba, me internaré en el bosque, y comeré moras! ¡O nadaré en el lago, o bailaré hasta el alba! Y en seguida descubro, con furia, que soy este viejo y arruinado dragón. Soy la princesa de la torre, que aún espera al príncipe.

(Bill le cuenta a la señorita Loomis que alguna vez vio una foto de ella a los veinte años y quedó prendado. Describe la imagen en la foto:)

Era el rostro de la primavera, era el rostro del verano, era la calidez del trébol. Las granadas le brillaban en los labios y el cielo lunar en los ojos. Tocar aquel rostro sería como esa experiencia siempre nueva de abrir la ventana una mañana de diciembre, temprano y sacar la mano a la nieve blanca y fría que había caído en silencio, sin anunciarse, de noche. Y la frescura y la ternura del rostro estaban ahí para siempre, por un milagro de la química fotográfica, y los vientos del tiempo no podrían cambiar ni una hora ni un segundo. Esa primera y fresca nieve blanca, nunca se fundiría, en mil veranos.

(Conversación entre los hermanos Spaulding tras la muerte de la señorita Loomis:)

-Tom, dime la verdad.

-¿Qué verdad?

-¿Qué ha ocurrido con los finales felices?

-Puedes verlos en el cine, los sábados a la tarde.

-Sí, pero ¿y en la vida real?

-Sólo sé decirte que cuando me acuesto de noche me siento muy bien. Es el final feliz del día. A la mañana siguiente me levanto y quizá las cosas anden mal. Pero me basta recordar que esa noche me iré a la cama, y que estar acostado un rato arregla las cosas.

-Hablo del señor Forrester y la señorita Loomis.

-Nada podemos hacer. Ella ha muerto.

-¡Ya sé! Pero ¿no te parece que alguien se equivocó en este asunto?

-¿Te refieres a que él pensaba que ella tenía la edad del retrato, y ella un trillón de años? No, señor, pienso que fue magnífico.

-¿Magnífico?

-Los últimos días cuando el señor Forrester me contó un poco una vez y otro poco otra, y yo al fin junté los pedazos, lloré mucho. No sé por qué. Yo no hubiese cambiado nada. Si no, ¿de qué hablaríamos? Además, me gusta llorar. Luego de llorar es como si fuera otra vez la mañana, y empezara el día.

-Te oí.

-No admites que a ti también te gusta llorar. Lloras un tiempo y todo está bien. Y ahí tienes el final feliz. Y estás listo para salir otra vez y andar con los muchachos. ¡Todo empieza de nuevo! En cualquier momento el señor Forrester pensará un poco y verá que es la única salida, y entonces llorará, y luego mirará alrededor y verá que es otra vez la mañana, aunque sean las cinco de la tarde.

-No me parece un final feliz.

-Un buen sueño o diez minutos de lágrimas o un poco de helado de chocolate, o todo junto es la mejor medicina, Doug. Te lo dice el doctor Tom Spaulding.

(La bisabuela se encuentra en su lecho de muerte:)

Hace muchos años, pensó, tuve un sueño y disfrutaba de él realmente cuando alguien me despertó. Ese día nací. ¿Y ahora? Ahora, veamos... Lanzó su mente hacia atrás. ¿Dónde estaba? Noventa años... ¿Cómo tomar el hilo de aquel sueño perdido? Extendió una manita. Allí... Sí, eso era. Sonrió. Volvió la cabeza sobre la almohada hundiéndose más en la cálida duna de nieve. Así era mejor. Ahora, sí, ahora veía cómo el sueño se formaba poco a poco en la mente, con la serenidad de un mar que se mueve a lo largo de una costa interminable y siempre fresca. Dejó ahora que el viejo sueño la rozara y la levantara de la nieve, y la hiciese flotar sobre la cama ya apenas recordada.

(Jonas, el trapero, visita a Douglas mientras está enfermo e inconsciente. Le dice:)

-Algunas personas se vuelven tristes cuando son aún terriblemente jóvenes. Sin motivo especial,parece. Casi como si hubiesen nacido así. Se lastiman más fácilmente, se cansan más pronto, lloran más, y recuerdan más. Y, como digo, se vuelven tristes antes que nadie en el mundo. Lo sé, pues soy uno de ellos.

Si les gustaron estos fragmentos, no duden en leer el libro completo. Vale muchísimo la pena.

Miss Bala

2011-09-18T20:07:00.000-07:00

(Gerardo Naranjo, México, 2011)

Gerardo Naranjo es muy bueno retratando la realidad social de nuestro país. En Drama/Mex (México, 2006) nos muestra a la juventud del Acapulco contemporáneo; los personajes son detestables, pero realistas y humanos. No he visto Voy a explotar (México, 2008), pero tengo entendido que es bastante buena al presentar a adolescentes confundidos -y pretendo verla pronto-. En este, su más reciente largo, le toca el turno a la realidad mexicana contemporánea: el narco.

Laura Zúñiga era una chica normal. Bueno, quizá más guapa que la norma, pero era una joven sencilla, estudiosa, de familia, vamos. Decidió participar en concursos de belleza y ganó varios certámenes importantes. Pero su temporada en la cima fue breve: en diciembre de 2008 fue arrestada junto con otros siete individuos en posesión de armas y muchos dólares. No, no me equivoqué de apellido ni de historia, sólo estoy citando la historia real en la cual se basa ligeramente la película.

La mirada de este tipo es auténticamente maligna...

La Laura ficticia se apellida Guerrero y quiere participar por primera vez en Miss Baja; es ingenua e idealista, trabajadora y cariñosa con su hermanito. Pero todo se va al diablo cuando el narco se involucra. Envuelta en situaciones más allá de su control, pasa de ser simple testigo a pieza sometida por ambos bandos en la "guerra" a cómplice reticente impulsada por el temor y la necesidad de proteger a otros, para por último convertirse en víctima resignada de su propia impotencia.

Más de una vez intenta hacer lo que considera correcto, seguir sus valores, pero siempre aprende la misma lección de la manera difícil: una vez que el crimen organizado llegó a tu vida, le perteneces en cuerpo y alma, quieras o no. No es sino hasta que te entregas voluntariamente cuando crees que nada puede empeorar... pero aún quedan sorpresas desagradables en espera.

La secuencia final hace uso de escenas muy similares a las vistas en los medios cuando se dio el arresto de Laura Zúñiga en 2008, creando una resonancia y un sentido de realismo implacables. Además, la trama hace un sutil comentario sobre la cultura que engrandece la belleza femenina a un aspecto sobredimensionado que puede ser fácilmente manipulado, comprado y traficado como otros bienes, se puede utilizar como un arma, un instrumento de poder y de sometimiento.

La violencia utilizada en el filme no es nunca explotativa, sino brutal y franca. La constante tensión a la cual es sometida el personaje principal es un claro reflejo del ambiente que se vive en ciertas partes de nuestro país hoy en día. Por lo general no me gustan las historias sobre el tema, siento que a veces se aprovechan de la relevancia del mismo para escandalizar, pero en este caso me parece que el resultado nos hace reflexionar de la manera dura (como debe ser con el arte) sobre un tema ineludible y la propensión que tienen los inocentes a pagar por los auténticos culpables. Todo es un circo, un espectáculo montado y planeado y a nosotros sólo nos queda especular y esperar que nunca estemos en medio.

Green Lantern y GL Corps (parte 5)

2011-09-12T21:08:00.000-07:00

Y cada vez está más cerca La Noche Más Oscura... De hecho, ya me toca leerla y reseñarla en mi siguiente publicación, pero de momento es el turno de lo que viene justo antes. Mientras en GL Corps se dedicaron a revisar las consecuencias de la Sinestro Corps War, el título de Green Lantern presentó Secret Origin, historia en siete partes que nos plantea, a través de un retcon, el origen de Hal Jordan como Linterna Verde y su (ahora) primer combate usando el uniforme. Resulta un poco repetitivo, pues varios de los elementos tanto de la vida personal de Jordan como de sus inicios como miembro de las Corps ya se han revisado constantemente en números anteriores, pasando también por su primer encuentro con Sinestro. No obstante, resulta interesante ver cómo meten el origen de la venidera Blackest Night y exitosamente lo entrelazan con las primeras aventuras de Hal Jordan. Geoff Johns juega con los cánones de la continuidad oficial y sale victorioso, usando elementos creados por muchos escritores previos a él, incluyendo nada menos que a Alan Moore. Por su parte, el dibujante Ivan Reis va refinando su estilo, apegándose cada vez más al realismo "limpio" de Alan Davis (o de Bryan Hitch pero con menos sombras).

La historia continúa en Rage of the Red Lanterns, la cual da inicio con un one-shot que supuestamente forma parte de Final Crisis, pero sólo por algunos eventos mencionados tangencialmente. Aquí Atricitus, uno de los cinco sobrevivientes de la masacre del sector 666 convertidos en terroristas y crucificados para el resto de la eternidad en el planeta Ysmault, logra liberarse y crear su propia batería de poder, basada en la luz roja del espectro emocional que simboliza a la ira. Ya desde antes se nos había dado indicios, pero aquí vemos a su ejército de coléricos incontrolables (incluyendo a mi favorito, Dex-Starr, un tierno gato azul enfurecido) atacando a Linternas Verdes y "Sinestros" por igual en una emboscada a la emboscada para liberar al líder de los portadores de anillos amarillos. Para complicar más las cosas, aparecen los primeros Linternas Azules de Ganthet. Jordan, con tantos anillos, ya no sabe ni de qué color es.

Ya como preludio oficial al mega-evento tan esperado, tenemos Green Lantern Corps: Emerald Eclipse. Se nos revelan lazos familiares inesperados, romances prohibidos y conspiraciones sediciosas, así como también se insinúa traición dentro de los Guardianes del Universo. Mis quejas al señor Peter J. Tomasi: ¿Es prudente dar poderes del nivel de Superman a un planeta completo de xenófobos e intolerantes? Y también, al final de Rage..., creí que Sinestro pensaba atacar a Mongul Jr, ¿por qué el cambio de planes? Pónganse de acuerdo, señores (o que los editores hagan su trabajo). Pat Gleason sigue definiendo su "voz" artística, ahora la mayoría de las caras son reconocibles, no sólo la de Guy Gardner. Ah, claro, un gran acierto en general de este título fue el haber presentado a un elenco nutrido y conservarlo durante varios números, así se pueden dar el lujo de matar a uno que otro personaje que no es de los "grandes" sin que carezca de resonancia emocional, como en el sacrificio aquí presentado.

Para terminar esta reseña, Green Lantern: Agent Orange. Uno de los dos últimos colores que nos faltaba por conocer, el naranja de la avaricia es custodiado por Larfleeze, una especie de cerdo tacaño que se apodera de identidades, tiene un ejército de fantasmas y quiere todo lo que no es suyo. Johns continúa elaborando su mitología, hasta cierto punto reminiscente a la que Neil Gaiman hizo en Sandman (con sus claras diferencias, obvio) presentando siete aspectos que tendrán poder mientras haya seres vivos que los lleven a la práctica. El cambio de dibujante por Philip Tan no me gustó mucho pues, para empezar, sus versiones de ciertos personajes (en particular Stel) son muy diferentes y los hace irreconocibles, echando a perder la congruencia gráfica que había reinado hasta el momento entre los diversos artistas. Además, su estilo "sucio" e hiperrealista no me gusta en lo particular, me recuerda a ratos a Whilce Portacio y Rob Liefeld (al último de los cuales odio reclacitrantemente). Aunque a veces quiere ponerse todo Alex-Ross-iano y tampoco le queda. Pero es mi apreciación personal.

Mi Red Lantern favorito, Dex-Starr. No lo hagan enojar.

La caída

2011-09-12T20:15:00.000-07:00

Esta novela de Albert Camus, su tercera y última en ser publicada completa mientras el áun vivía, vio la luz por primera vez en 1956. Con un narrador en primera persona que se dirige todo el tiempo a un interlocutor -el lector-, nos cuenta la historia de un "juez penitente" expatriado de París que reside en Amsterdam. El protagonista se muestra a sí mismo desde un principio como un hombre agradable, quizá demasiado agradable, y siempre dispuesto a ayudar a su prójimo (se ofrece a fungir como intérprete entre el cantinero y un compatriota parisiense en el Mexico-City, un bar holandés de mala muerte. Una vez en nuestra mesa, compartiendo un trago con nosotros, nos cuenta su historia.

Comienza con su práctica del Derecho, defendiendo siempre a quienes aparentemente más lo necesitan. Y no sólo en las cortes, sino también fuera de ellas: nunca deja pasar la oportunidad de ayudar a un ciego a cruzar la calle. Conforme avanza la historia, nuestras sospechas se confirman. Tantas buenas acciones no pueden ser desinteresadas. Al igual que en uno de los planteamientos básicos del objetivismo de Ayn Rand, este altruismo desmedido viene del egoísmo más ruin imaginable. Este hombre sólo hace todo ese circo para sentirse superior a nosotros y, por ende, poder juzgarnos.

El quiebre se presenta cuando se da cuenta que él mismo puede ser juzgado, haga lo que haga. Es entonces cuando admite que muchas cosas por las que vive el hombre son falsas y empieza a ver con claridad abrumadora la realidad. En un retrato en un principio satírico pero progresivamente absurdista y, por qué no decirlo, incluso existencialista, Camus desnuda el alma de su personaje y, con ella, la del común denominador del ciudadano occidental contemporáneo. Hablando sobre los ritos sociales, la culpabilidad, las oportunidades desperdiciadas y con un cinismo que agradece que dichas oportunidades de ser mejores no se presenten a menudo, esta novela hace profundas reflexiones que son difíciles de ignorar.

Para finalizar esta reseña, como ya va siendo costumbre, transcribiré algunos de mis fragmentos favoritos:

Le confesaré que estoy cansado. Ya no tengo aquella claridad de espíritu que mis amigos se complacían en rendir homenaje. Por lo demás, digo mis amigos por una cuestión de principios. Ya no tengo amigos; sólo tengo cómplices. En cambio, aumentó su número. Ahora son todo el género humano, y dentro del género humano es usted el primero. El que está presente es siempre el primero. ¿Que cómo sé que no tengo amigos? Pues es muy sencillo: lo descubrí el día en que pensé en matarme para jugarles una mala pasada, para castigarlos en cierto modo. Pero, ¿castigar a quién? Algunos se habrían sorprendido, perro nadie se sentiría castigado. Entonces comprendí que no tenía amigos. Además, aún cuando los hubiera tenido, yo no habría adelantado más por ello.Si me hubiera suicidado y hubiera podido ver en seguida sus caras, entonces sí el juego habría valido la pena. Pero la tierra es oscura, querido amigo, la madera espesa, opaca la mortaja. ¿Los ojos del alma, dice usted? Sí, sin duda, ¡si es que existe un alma y si es que ella tiene ojos! Pero, mire usted, no se está seguro, nunca se está seguro. Si estuviéramos seguros, tendríamos una salida, podríamos al fin hacernos tomar en serio. Los hombres no se convencen de nuestras razones, de nuestra sinceridad y de la gravedad de nuestras penas, sino cuando nos morimos. Mientras estamos en la vida, nuestro caso es dudoso. Sólo tenemos derecho al escepticismo de los hombres. Por eso, si tuviéramos alguna certeza de que podemos gozar del espectáculo, valdría la pena probarles lo que ellos no quieren creer, valdría la pena asombrarlos. Pero se mata usted y, ¿qué importancia tiene entonces el que ellos le crean o no? Usted no está presente para recoger su asombro y su contrición, por lo demás fugaces. Usted no está allí para asistir, por fin, de acuerdo con el sueño de cada hombre, a sus propios funerales. Para dejar de ser dudoso, hay que dejar de ser, lisa y llanamente.

[...]

[N]unca pude creer profundamente que los asuntos humanos fueran cosa seria. ¿Dónde estaba lo serio? No lo sabía. Sabía sólo que no estaba en todo lo que veía y que se me manifestaba únicamente como un juego divertido e importuno. Hay realmente esfuerzos y convicciones que nunca llegué a comprender. Siempre miré con aire admirado y con ciertas sospechas a esas extrañas criaturas que morían por dinero, se desesperaban por la pérdida de una "posición" o se sacrificaban, con grandes ademanes, por la prosperidad de su familia. Yo comprendía mejor a aquel amigo a quien, habiéndosele metido en la cabeza dejar de fumar, consiguió efectivamente lo que se había propuesto, a fuerza de voluntad. Una mañana abrió el diario, leyó que había estallado la primera bomba H, se enteró de sus admirables efectos y, sin dilación alguna, se fue a la cigarrería.

[...]

Vacilo en confesarlo, por miedo de pronunciar todavía alguna palabrota: me parece que en aquella época sentía la necesidad de un amor. Obsceno, ¿no cree? En todo caso, experimentaba un sordo sufrimiento, una especie de privación que me volvió más vacante y me permitió, a medias forzado, a medias curioso, entablar algunas relaciones amorosas. Puesto que tenía necesidad de amar y de que me amaran, creí estar enamorado. Dicho de otra manera, que representé el papel de tonto.

El encanto de la bestia

2011-09-11T18:42:00.000-07:00

(Daniel Barnz, Estados Unidos, 2011)

Lo admito: sólo vi esta película porque me gusta Vanessa Hudgens, no lo puedo negar. Bueno, también me gustan los cuentos de hadas tradicionales y las versiones modernizadas de los mismos, como las novelas de Gregory Maguire o los comics de Fables, así que también por ahí despertó mi interés. Basada en una novela de Alex Flinn, esta película nos cuenta una versión contemporánea del cuento clásico de La bella y la bestia: Kyle es un joven guapo, rico y popular que considera inferiores a quienes no reunen esas mismas características. Kendra, una darketa de la cual se dice es una bruja, le pone la conocida maldición de condenarlo a ser feo para siempre a menos que logre que alguien lo ame en un año. Entra en escena Lindy, chica supuestamente nada superficial que, no obstante, está enamorada en secreto de Kyle.

Con ciertas complicaciones rebuscadas y secuencias en exceso cursi, el filme va por donde uno esperaría que fuera: el camino predecible de no aportar nada, no darle un giro inteligente a algún elemento de la historia y no presentar nada innovador. Simplemente no se esforzaron en hacer algo diferente, pero ¿qué podíamos esperar? Las actuaciones van de mediocres a malas (como la exagerada Mary Kate Olsen en su papel de bruja moderna) y el guión es poco imaginativo, con huecos injustificables y situaciones inverosímiles.

Lo único rescatable sería la postura de enseñarle a los chavitos de hoy en día a ser menos superficiales y a valorar aspectos más allá de las apariencias. Lo malo es que hasta en eso hacen un mal trabajo: para empezar, reafirman el estereotipo de que las personas que se visten de negro son peligrosas y los tatuajes y perforaciones las hacen feas. Por favor, ¿acaso seguimos en los 90? Luego, al volver a Kyle "feo", lo hacen rapado, tatuado y perforado pero fuera de eso (y unas cuantas cicatrices) queda bastante bien. Insisto con eso del estereotipo negativo de ciertas subculturas. Por último, y con esto les adelanto el final, logra superar la maldición de manera que termina siendo guapo, rico, popular y feliz para siempre, además de perpetuar la idea de que la gente bonita sólo puede estar con otra gente bonita. En lo personal, hubiera preferido un giro como que temiera perderla al recuperar su cara linda y tratara de quedarse "deforme", o bien que al final se quedara "feo" pero ya no le importara pues realmente aprendió a valorar el interior. Qué, ¿creyeron que iba a poner el spoiler así tal cual? Si ya saben que este blog es spoiler-friendly, tienen que resaltar el texto si quieren leer la revelación. A fin de cuentas, por empalagosa y predecible que sea, la disfruté. Qué puedo decir, yo mismo soy un cursi sin remedio.

Por escenas como esta quería ver la película...

Alamar

2011-09-11T18:05:00.000-07:00

(Pedro González-Rubio, México, 2009)

La historia es al parecer sencilla: Roberta Palombini, italiana, viaja de vacaciones a Quintana Roo. Estando en la playa conoce a Jorge, un pescador de ascendencia maya, y se enamora de él. Decide quedarse a vivir en México. Tienen un hijo, el pequeño Natan. Tras tres años y medio, los sentimientos han cambiado. No sólo eso, sino que también se ha vuelto evidente que Roberta no puede vivir alejada de la civilización, así como Jorge no podría vivir inmerso en ella. Entonces se separan, con el destino de su hijo en duda.

La película no nos muestra qué decidieron, simplemente nos presenta a Jorge recogiendo a Natan en Roma para llevarlo a Banco Chinchorro, la segunda mayor barrera de arrecifes de coral en el mundo. Desde que llega, el niño se siente en casa: se quita la playera y los zapatos para convivir libremente con la naturaleza. Interactúa con su padre y Matraca, otro amigo pescador. Viven en una casa en medio del agua, rodeados de aves y un cocodrilo (¡!)

De manera documental y bastante rudimentaria, la cámara se vuelve un fiel observador del día a día en la vida de estas personas. Los vemos pescar, escamar, cocinar y comer lo que sacaron del mar. Los vemos compartir su alimento con la fauna local. Vemos a Jorge impartiendo su sabiduría a su hijo, demostrando que no se necesita de grandes estudios para saber muchas cosas. Y, lo más importante, vemos el gran amor que un padre siente por su vástago, los cuidados y atenciones que contínuamente deposita en él.

En uno de los momentos más mágicos del filme, un ave garrapatera llega a la casa de nuestros protagonistas. Poco a poco comienza a relacionarse con ellos, primero de lejitos pero gradualmente se va acercando hasta ser prácticamente domesticada por ellos. La llaman Blanquita y los acompaña a muchas partes.

No sé si Natan pase la mitad de cada año con su padre y la otra con su madre, me imagino que adaptarse a cambios tan drásticos de entorno no será cosa fácil. No obstante, dejar atrás este tipo de vida tan relajado y tan pacífico seguramente presenta sus dificultades, aunque uno pueda regresar. Lo que me deja la cinta, además de un profundo sentimiento de paz, es una añoranza por la naturaleza y por ese amor constante que quizás sólo podamos sentir en la niñez.

Beginners

2011-09-11T17:30:00.000-07:00

(Mike Mills, Estados Unidos, 2010)

Con el horrible subtítulo de Así se siente el amor, esta película llegó a una muy reducida cantidad de salas en nuestro país. Como un comentario aparte, quisiera mencionar que me molesta aún más esta nueva tendencia de dejar el título en inglés de una película pero agregándole un subtítulo para que nos quede claro de qué va la cosa (como si fuéramos idiotas) que la tradición milenaria de poner pésimas traducciones a los títulos de las películas. Pero eso es tema aparte.

A sus setenta y cuatro años de edad, tras la muerte de su esposa, Hal (Christopher Plummer) decide revelarle a su hijo Oliver (Ewan McGregor) su homosexualidad. Posteriormente, pasa los últimos cuatro años de su vida explorando este aspecto de su sexualidad que siempre reprimió. La cinta comienza con Oliver vaciando la casa de su padre tras la muerte de éste, ocasionada por un cáncer terminal, y desarrolla dos historias: la de Hal y su búsqueda de pareja dentro de la comunidad gay -por medio de flashbacks- y la de Oliver, su duelo tras el fallecimiento y su encuentro y posterior involucramiento romántico con Anna (Mélanie Laurent).

El filme posee un gran poder emocional, es generalmente triste y conmovedor pero para el final logra levantar los ánimos, a pesar de no dar garantías. Tiene grandes aciertos, como un perro que se niega a estar solo y se comunica telepáticamente con su amo (para beneficio del público se recurre al subtitulaje de sus pensamientos) y el uso repetitivo de varios leitmotifs tanto gráficos como narrativos: este es el sol en 1955, este es el presidente en 1955, etcétera. Desafortunadamente, el perro pierde relevancia demasiado pronto.

En cuanto a ritmo, la película cojea un poco por las múltiples narrativas. La historia en el presente, la de Oliver tras la muerte de su padre, es narrada de manera lineal; pero la historia de Hal se cuenta en un orden cronológico menos estricto, lo cual puede llegar a ser un poquito incómodo. Poquito, no mucho. Aunque no es requerida, cierta interrelación entre los saltos temporales quedaría bastante bien. Además de todo esto, ambas líneas narrativas se ven interrumpidas frecuentemente por fragmentos de un pasado previo a ambas historias, ya sea la niñez de Oliver o la historia de sus padres. Si bien esto no genera confusión, sí crea cierto sentido de desorden.

Dejando a un lado estas "fallas" menores, la obra es grande. Si de por sí es difícil abordar el tema del amor, incorporar temas fuertes como la muerte, los derechos de la población gay y la depresión hacen de esto una labor titánica que no obstante logra llegar a buen puerto gracias a lo competente que es Mills como cineasta. Las actuaciones son de primer nivel, en particular disfruté del veterano Plummer. Y en cuanto a la historia, lo que más resonancia tuvo en mí fue la clara y honesta manera de mostrar que en la búsqueda del amor, nuestros padres siempre están presentes: a través de las ideas que nos dieron, las carencias afectivas que nos llevaron a buscar cariño en otras partes, los condicionamientos involuntarios, la historia familiar... Qué complicado es esto de las relaciones humanas, caray.

Paul

2011-09-10T21:19:00.000-07:00

(Greg Mottola, Reino Unido-Estados Unidos-Francia-España, 2011)

En definitiva, me gusta más cuando Simon Pegg co-escribe con Edgar Wright. Para la película aquí reseñada unió fuerzas al elaborar el guión con su compañero actor Nick Frost y el resultado no es tan bueno como yo esperaba. Se trata de una comedia más bien ligera que carece tanto de carcajadas como de sutileza.

Dos ñoños británicos viajan a San Diego para asistir a la Comic Con y posteriormente rentan una RV para dar un viaje por varios sitios de interés para ufólogos y conspiranoicos. En su recorrido se topan con el personaje titular, un extraterrestre cuya nave chocó en nuestro planeta desde hace años y desde entonces ha sido oculto por el gobierno, proporcionando información que ha servido para darnos una idea de la vida en otros planetas, tanto en la realidad como en la ficción. No obstante, cuando su utilidad como fuente de inteligencia se ha agotado, se ve forzado a huir por su vida y requiere de la ayuda de estos geeks para sobrevivir.

It's probing time!

Fuera de los detalles para deleitar a los fans -como los comics de Brit, la playera de Invincible y la aparición de Robert Kirkman mismo en un cameo (¡!)- y los homenajes a películas clásicas de CF incluyendo Star Wars, Star Trek, Encuentros cercanos del tercer tipo y E.T., la historia es demasiado convencional. La idea de una road movie con nerds ya fue realizada -y con mayor éxito- en Fanboys (Kyle Newman, Estados Unidos, 2009).

Referencia obligada a Star Wars: "Someone who loves you..."

El humor de la cinta pretende ser irreverente, atacando a hillbillies y a católicos fundamentalistas por igual, pero sus chistes homofóbicos e intolerantes no llegan a ser lo suficientemente ofensivos como para ser en verdad graciosos. En general me divirtió y siento que cumple con su cometido, pero esperaba mucho más y siento que se podría hacer algo mejor con la misma premisa.

En nuestro país se estrenó una versión doblada al español la cual me niego a ver. Con el jocoso (¿?) subtítulo de Encuentros cercanos con este tipo seguro a todo mundo se le antojará verla, más aún con la voz de Silverio Palacios (disculpen mi ignorancia del star system local, no tengo ni idea de quién es él). Por fortuna, una copia subtitulada llegó a un número limitado de salas, así que les recomiendo buscarla cuanto antes para que puedan verla antes de que desaparezca.

Rise of the Planet of the Apes

2011-09-05T21:03:00.000-07:00

(Rupert Wyatt, Estados Unidos, 2011)

Cualquier cosa que tenga changos, simios o primates que no sean humanos ya es buena de entrada. Si además le agregamos personajes carismáticos, acción trepidante (pero que no marea), drama desgarrador, guiños a la cinta que dio origen a la franquicia y a Freida Pinto, no hay manera de fracasar.

Si a estas alturas no han visto la primera película (Planet of the Apes, Franklin J. Schaffner, Estados Unidos, 1968) con Charlton Heston, no habrán entendido la referencia/homenaje en Madagascar (Eric Darnell & Tom McGrath, Estados Unidos, 2005) ni algunos de los puntos relevantes en ésta. Lo lamento mucho, pero ahí les va el spoiler: la revelación en dicha cinta es que en el futuro, la Tierra será dominada por los simios y los humanos estarán cerca de la extinción, reducidos a un estado salvaje. De ahí viene esta película, que replantea la premisa y nos propone un cómo ocurrió esto.

Chango voyeurista...

Will Rodman, interpretado por James Franco, es un joven químico farmacéutico que intenta desarrollar una cura para el mal de Alzheimer (padecido por su anciano padre). Para esto experimenta con chimpancés, uno de los cuales demuestra un desarrollo neuronal fuera de lo común tras habérsele administrado el medicamento experimental. Desafortunadamente, ciertos sucesos hacen que su investigación sea detenida por la compañía que lo auspicia. Esto lo cual lo obliga a continuar sus estudios desde casa, experimentando directamente en su padre y cuidando a un changuito bebé, heredero de genes maravillosos.

Haciendo reflexiones sobre las bases de la moralidad humana, la crueldad y bestialidad de algunas personas, la eterna lucha entre instinto y razón y la búsqueda de pertenencia, el filme nos presenta la historia de la vida de Caesar. Este primate dotado de un intelecto superior al del resto de su especie (y de la mayoría de los humanos) pasa de ser privilegiado a cometer un crimen menor ocasionado por la lealtad hacia su familia, lo cual lo lleva a una especie de correccional en donde ocurre lo que en todas las correccionales: a los bonitos nadie los quiere, y si desean sobrevivir deben hacerse amigos de otros presos más poderosos y aprender a ser criminales endurecidos y sin remordimientos. Pero además desarrolla conciencia social: no sólo busca su liberación sino también la de sus semejantes, una liberación tanto de las paredes que limitan su movilidad física como de las barreras de su intelecto.

Y que se enoja el chango...

Con el ingenioso (¿?) título en español de El Planeta de los Simios (R)Evolución, esta cinta ha llegado a cientos de salas en nuestro país. Seguro durará bastante en cartelera, asegúrense de verla pues no se arrepentirán. Me atrevo a decir que estará entre mis películas favoritas del año.

Green Lantern y GL Corps (parte 4)

2011-09-05T20:02:00.000-07:00

Continúo mis reseñas condensadas de Green Lantern. Posteriormente a Sinestro Corps War leí el Secret Files and Origins, el cual si bien no es indispensable ayuda para familiarizarse con personajes que resultarán instrumentales en historias venideras. Consiste en una serie de biografías de varios Linternas Verdes activos, así como de algunos conceptos alrededor de las Corps.

A manera de epílogo a la guerra arriba mencionada está Green Lantern: The Alpha Lanterns, en donde se ven más consecuencias de la primera de diez nuevas leyes que irán implementando los Guardianes del Universo en su reescritura del Libro de Oa: abusando de su nueva capacidad para matar a miembros de las Sinestro Corps, una de las Linternas "perdidas" asesina a sangre fría a Amon Sur, llevando a los Guardianes a tomar la decisión de crear a los Alpha Lanterns, una especie de Asuntos Internos que vigilan que ningún Linterna Verde abuse de su poder. Concepto creado por Grant Morrison para utilizarlo en su Final Crisis, este nuevo grupo ocasiona más problemas de los que soluciona. Nada de esto impide que los Guardianes revelen su segunda nueva ley: ahora se puede aplicar la fuerza letal contra cualquier enemigo de las GL Corps.

En el otro título también aparece esta nueva división de las Corps. Curse of the Alpha Lanterns, escrito por Sterling Gates y dibujado por Nelson nos brinda una historia protagonizada por Boodikka, quien demuestra ser implacable en su nuevo rol para buscar que haya justicia. Como el resto de los Alpha Lanterns, ahora es mitad Manhunter y, por ende, mucho más fría e insensible.

Con el regreso del equipo creativo de Peter J. Tomasi y Patrick Gleason, la historia continúa con Green Lantern Corps: Ring Quest, en la que Mongul Jr. recibe el anillo de poder amarillo correspondiente a su sector espacial y decide utilizarlo para transformar a la black mercy (una flor que se une a un individuo y le crea una fantasía complaciente mientras drena sus energías vitales) en portadora de pesadillas en lugar de esperanzas. A un grupo de Linternas Verdes liderados por Kyle Rayner se le encomienda encontrar los anillos amarillos que surcan el espacio en busca de nuevos dueños y hallan seis (u ocho, dependiendo del capricho del dibujante) en posesión del villano. Uniendo fuerzas con Mother Mercy, el planeta-planta que "da a luz" a las black mercies, derrotan al villano pero, en un inexplicable hueco en la trama, lo dejan por muerto a) sin cerciorarse de que en realidad lo esté y b) sin quitarle los anillos que desde un principio venían buscando.

En Green Lantern Corps: Eye of the Beholder, algunos miembros de las Sinestro Corps deciden aplicar estrategias terroristas involucrando (y asesinando cruelmente) a los familiares y seres queridos de los GLs para amedrentarlos. Al más puro estilo de secuestradores, mandan partes corporales (en este caso ojos) a los novatos en Oa. El artista invitado, Luke Ross, hace un trabajo competente pero bastante convencional.

La búsqueda de justicia por éstos crímenes nos lleva a Green Lantern Corps: Sins of the Star Sapphires, donde simultáneamente se desarrollan dos historias. Por una parte, Guy Gardner, Arisia y el nuevo Ion escoltan a un par de Guardianes en una misión diplomática a Zamaron, donde presencian el surgimiento de otro de los aspectos del espectro emocional de la luz: el color violeta del amor, ejercido por las Star Sapphires. Al mismo tiempo, Kyle Rayner, Soranik Natu y otros GLs persiguen a la maligna Kryb, quien ha estado robando a los bebés de otros Linternas Verdes, matando a uno que otro de los padres. Los Guardianes siguen sin aprender su lección e imponen otra nueva ley estúpida, la tercera: se prohiben relaciones amorosas o carnales en las GL Corps. Como resultado, cientos de miembros renuncian a sus cargos de inmediato. Todo esto va pavimentando el camino para el mega-evento Blackest Night, que se acerca poco a poco. Patrick Gleason sigue desarrollando su estilo, ahora utilizando tanto detalle como Doug Mahnke. Me gusta su manera de dibujar, pero no podría reconocer su arte sin los créditos, siento que le falta un toque distintivo fuera de la cara que utiliza para Guy Gardner.

Green Lantern

2011-09-05T18:28:00.000-07:00

(Martin Campbell, Estados Unidos, 2011)

DC Comics nomás no logra crear franquicias cinematográficas exitosas, con la excepción de Batman (y eso que llegó a tener tropiezos bastante graves, pero ahora está en manos competentes). Con Superman empezaron bien, pero después la regaron. Ahora, viendo que Marvel ha iniciado una época de oro para las películas de superhéroes, quieren subirse al tren y copiar el éxito de sus eternos rivales. Para este fin eligieron a Green Lantern, quien desde hace varios años (como podrán saber los lectores habituales de este blog) se ha vuelto personaje central del Universo DC. Lamentablemente, no cayeron en cuenta de que esa popularidad se limita al público cautivo del subgénero superheróico, y los elementos que le han dado notoriedad no trascienden las barreras del mismo.

La película es más bien aburrida. Centra la narrativa en el origen del héroe y en su forzada transformación de arrogante e irresponsable a héroe ejemplar. Todo ocurre de manera en demasía apresurada, se siente que la acción en el guión está comprimida. Siento que no logran capturar la esencia del personaje, lo que le sucede en el filme podría pasarle a cualquier héroe, todo es demasiado general; podríamos cambiar el disfraz, los nombres y las marcas registradas y el resultado sería el mismo. Otra cosa que me desagradó: el disfraz. Parece body paint, sobretodo el ridículo antifaz (aunque sí enfatizan lo absurdo de que un pequeño trozo de tela -o pintura- evite que la gente lo reconozca). Siento que quisieron copiar la "fórmula" de Iron Man (Jon Favreau, Estados Unidos, 2008) de presentar a un protagonista desmadroso y carismático en una cinta que usa por partes iguales acción y comedia, pero no les salió.

Respecto a los villanos, Parallax es una entidad demasiado importante en los comics pero por lo mismo demasiado complejo como para explicarlo en la película, no obstante lo metieron con calzador creando una amenaza en teoría demasiado grande que sin embargo se soluciona muy fácilmente. Y su versión fílmica se parece demasiado al Galactus de Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer (Tim Story, Estados Unidos, 2007). También está Hector Hammod, con una actuación competente de Peter Sarsgaard y motivaciones bastante bien manejadas, pero desperdician su potencial futuro al sacarlo del mapa desde esta primera película. Y no olvidemos a Sinestro. Aquí no aparece como villano sino en su papel previo como el más grande Green Lantern de todos, lo cual considero un error. Funciona mucho mejor presentarlo como villano y explicar por medio de flashbacks que era bueno y se volvió un renegado, y no lo digo sólo porque así pasó en los comics, sino porque para efectos de ritmo y dramatismo tiene más sentido.

Entre las cosas rescatables, la relación con Carol Ferris tiene suficiente complejidad y evita reducirse al cliché (y Blake Lively se ve muy núbil). Me gustaron los Guardianes del Universo, con esas cabezas transparentosas. Y creo que es todo. Oa me pareció sobreproducido y rudimentario a la vez. Hay un exceso de cameos de miembros de las GL Corps, no todos tan relevantes, simplemente trataron de meter demasiado en una sola cinta. En resumen, espero que algún día un remake le haga justicia al personaje.

El vampiro y el sexo

2011-09-04T16:20:00.000-07:00

(René Cardona, México, 1969)

En la ceremonia de cierre del Festival Macabro de este año se proyectó la infame y mítica película "erótica" del Santo. Se rumoraba que había una cinta perdida del Enmascarado de Plata, de esas que prácticamente nadie había visto y a nadie le constaba que existiera. Las malas lenguas aseguraban que en el filme el protagonista tomaba parte en escenas cachondas. Se "sabía" que era de vampiros. Uno que otro despistado (yo entre ellos) pensaba que se trataba de un corte extendido de Santo contra las mujeres vampiro (Alfonso Corona Blake, México, 1962). Todas estas ideas erróneas por fin fueron desechadas cuando se encontró una copia de la mentada obra, se le restauró, se arreglaron las disputas legales a su alrededor y se le dio "estreno" en el festival.

Antes que nada, debo aclarar: no soy fan de las películas de luchadores. He visto pocas y con esas me basta, las considero una curiosidad kitsch y hasta ahí. Me parecen absurdas y ridículas, con guiones de baja calidad y actuaciones del mismo nivel. Lo que rescato de ellas es lo maravilloso del mundo alterno que nos muestran, donde cualquier cosa se resuelve con un duelo sobre la lona. Habiendo dicho lo anterior, procedo a contarles que disfruté sobremanera de esta función. Reí muchísimo, quizás más por humor involuntario que otra cosa, pero eso no hace menor el goce. Desde la aparición de un letrero que lee "Doctor César Sepúlveda, Físico Nuclear" (yo quiero un letrero así para mi casa) hasta la insensibilidad misógina del Santo cuando a una mujer histérica (tras haber viajado al pasado y haber sido víctima de un vampiro) le dice simplemente "¡Ya cálmate!", pasando por radio-relojes comunicadores, espías indiscretos, personajes de franco comic relief, ciencia loca y descabellada que nadie explica y una sobreabundancia de senos turgentes descubiertos.

La trama es sencilla (como de costumbre): el Santo, justiciero y científico reconocido, presenta a otros pensadores su más reciente invento, una máquina para viajar a vidas pasadas. Nunca explica cómo funciona, de hecho no la ha probado, pero está seguro de que sirve bien, en particular con una mujer (misóginamente se indica que porque aguantan más vara). Para probarla utiliza a la hija de su colega, la cual viaja a lo que se supone que es el México del siglo antepasado, que curiosamente parece la Europa oriental de cualquier película "gótica" de vampiros. De ahí la trama se simplifica aún más: la mujer es aquejada por un malestar indefinido, un especialista del viejo continente identifica los síntomas como evidencia de ataques vampíricos, un carismático conde europeo expatriado casualmente llegó a los alrededores justo cuando varias mujeres empezaron a sufrir de este mal y a morir por el mismo, todos sacan sus cuentas y se deciden a cazar al monstruo. Dicha criatura erotiza a las mujeres y tiene su séquito de vampiresas (con implantes que dan crédito a lo avanzada que estaba la cirugía plástica del siglo XIX), mujeres que exponen sus pechos a la menor provocación.

Todo este tiempo, Santo y compañía observan la acción de manera voyeurista a través de una pantalla, por el puro interés científico, y sólo rescatan a Luisa cuando está a punto de morir a manos del cazador de vampiros. Entonces, tras ciertos giros en la trama, el vampiro llega al presente y deben hacerle frente. No, el Santo no sale en pelotas. No, tampoco se acuesta con nadie. Las escenas "eróticas" son menos que soft porno, pero para la época eran bastante subidas de tono, más en una película de un personaje cuyo público habitual no consistía sólo de adultos. Originalmente, el luchador solicitó que se recortaran las escenas de desnudos para no manchar su reputación y la cinta se estrenó bajo el nombre de Santo en el tesoro de Drácula. Ahora supongo que habrá más ocasiones de que quienes no la vieron puedan gozar de tan divertida experiencia, pero dudo mucho que yo volvería a verla.

Green Lantern y GL Corps (parte 3): Sinestro Corps War

2011-08-31T19:06:00.000-07:00

Lo siguiente en la continuidad de Green Lantern es el primer gran evento que gira en torno a la mitología del personaje: la Sinestro Corps War. Hablemos un poco de Sinestro. Llegó a ser el más grande de los Linternas Verdes, pero su empeño lo llevó al extremo de someter a su planeta natal Korugar a una dictadura extrema. Esto lo volvió un villano a los ojos de todos, le hizo perder su status como Linterna Verde y merecer el exilio en el universo de anti-materia. Recurrentemente volvió como enemigo de Hal Jordan hasta convertirse en su némesis, con planes cada vez más siniestros y maquiavélicos.

En la historia reseñada el día de hoy, Sinestro crea su propio cuerpo de guerreros para contraponerse a las Green Lantern Corps, reclutando a seres capaces de infundir gran temor en cada sector del universo y dándoles anillos de poder sin la limitación que tienen los policías interestelares de no poder usar sus armas para matar. Entonces este ejército pone a los héroes en situaciones bastante difíciles, revelando que ciertas desgracias que habían acaecido sobre algunos de ellos eran obra suya e iniciando las hostilidades abiertas con un ataque frontal al planeta Oa. Los Green Lanterns se reponen como pueden y cambian el lugar de la batalla a distintas locaciones por varios sectores espaciales hasta terminar en la Tierra (como de costumbre). Para hacer las cosas más difíciles aún, los malos incluyen entre sus filas al Superman Cyborg con todo un ejército de Manhunters (introducidos en volúmenes previos), a Superboy-Prime (villano principal de Infinite Crisis), a un nuevo Warworld y al mismísimo Anti-Monitor regresado de la muerte (y salido de las páginas de Crisis on Infinite Earths).

Geoff Johns, apoyado por otros escritores y varios artistas, nos presenta una historia muy disfrutable, con buenos giros y reveses, bajas por todas partes, mucha acción y cambios interesantes: para no perder la guerra, los Guardianes deciden reescribir el Libro de Oa y agregar diez nuevas leyes, siendo la primera de ellas el que los anillos de poder puedan usarse letalmente en contra de los miembros de las Sinestro Corps. Con una ligera reflexión sobre la responsabilidad de todos aquellos que se encargan de proteger al prójimo y más sobre el tema del miedo en nuestro mundo actual, Johns profundiza en los temas que ha venido revisando desde que empezó su temporada en el título. Aunque no me gusta la postura pro-guerra que presenta, debo admitir que me gustó mucho la historia. Y se siguen sembrando semillas para eventos venideros que tendrán mayor repercusión en el universo DC.

Loco y estúpido amor

2011-08-31T18:41:00.000-07:00

(Glenn Ficarra & John Requa, Estados Unidos, 2011)

Amor, deseo y seducción: esos son los tres pilares en torno a los cuales se construye este filme. Más allá de una simple idealización de los papeles del hombre y la mujer en una relación, esta película explora las distintas formas de acercarse a la búsqueda de afecto y de sexo por parte de ambos géneros. Todo es desatado por una infidelidad en un matrimonio de casi veinticinco años, la cual desencadena una serie de sucesos que se van enredando de manera orgánica y natural.

Al estar separado de su esposa, Cal Weaver (Steve Carrell) comienza a frecuentar un bar que funge como el terreno de cacería para el casanova profesional Jacob Palmer (Ryan Gosling), el cual se compadece del dolido poco-hombre y decide ayudarle a recuperar su hombría. La esposa Emily (Julianne Moore) contempla iniciar una relación con el amante, pero no se ve muy convencida. El hijo de trece años también vive un romance, de esos idealistas que tal vez sólo puedan tenerse a esa edad. Conforme avanza la historia, Cal logra tener sexo con más de una mujer y Jacob conoce a la horma de su zapato y se da cuenta de que también quiere ser valorado por algo más que su atractivo físico.

Hay amor en todas sus formas: desde el tierno incipiente romance entre dos jóvenes que comienzan una relación enamorándose con todo, pasando por la infatuación obsesiva de un chavito y el amor platónico no correspondido de una chica de diecisiete años hacia un hombre mayor, hasta el amor maduro y consumado entre dos personas que han pasado una vida juntos. Y están los juegos de seducción, las estrategias, las mentiras, las complicaciones, las consecuencias.

En general, es una cinta bastante buena, cumplidora. Una comedia romántica que en verdad tiene romance y también es cómica: en cierta parte cerca del final me hizo soltar una que otra carcajada. El guión está bien trabajado, entrelaza las historias de maneras inesperadas que no se sienten forzadas. Sólo tengo dos quejas. La primera es una cierta postura superficial que parece indicar que la gente bonita sólo puede juntarse con otra gente bonita, haciendo un comentario nada grato sobre el valor de la gente respecto a sus atributos físicos. O al menos a mí me pareció así. La otra cosa que me molestó fue el final, tan desbordantemente cursi y complaciente que me hizo enojar, pensando algo así como "eso no pasa en la vida real." Quizás es sólo mi renuencia personal a creer en las "medias naranjas" y conceptos similares, pero me pasa igual con casi todas las comedias románticas. Pero es bastante recomendable.

Something blue...

2011-08-31T17:56:00.000-07:00

Con motivo de la próxima boda de mis queridos amigos Ana Paula y Miguel, la Neurobunch decidió dedicar el maratón del mes que termina a películas que giran en torno a uniones matrimoniales. O algo parecido. Podrían imaginarse que vimos pura comedia romántica pésima (sólo vimos una), pero es un hecho que hay bastante buenas películas del tema. Entre las que a la mera hora no entraron a la programación pero valen la pena está El hijo de la novia (Juan José Campanella, Argentina, 2001). También nos quedamos con las ganas de ver la versión original de El padre de la novia (Father of the bride, Vincente Minelli, Estados Unidos, 1950) y Matrimonio por conveniencia (Green card, Peter Weir, Estados Unidos-Francia-Australia, 1990).

Dimos por comenzada la noche viendo Conversando con la otra (Conversation(s) with other women, Hans Canosa, Estados Unidos, 2005), quizás la mejor película de toda la noche. Para empezar, tiene su lado experimental pues durante todo el metraje se recurre a la split-screen de una manera bastante inteligente: por lo general un lado de la pantalla la muestra a ella y el otro a él, aún si están juntos, creando una sensación de soledad y aislamiento además de reforzar las perspectivas que pueden ser prácticamente idénticas o radicalmente distintas; en otros momentos se usa una mitad de la pantalla para reflejar lo que alguno de los personajes piensa, imagina o recuerda. La película nos presenta a una dama de honor "de emergencia" invitada de último momento a una boda a la cual no quería ir, en la cual empieza a interactuar con un hombre que aparentemente quiere ligársela... ¿o será que se conocen de antes? Poco a poco la historia nos va revelando los papeles que juega cada uno hasta llegar a un clímax con mucha carga emocional, pasando por profundas reflexiones sobre el amor, el matrimonio, la infidelidad, las posibilidades futuras y las oportunidades desperdiciadas.

La segunda función fue de mi favorita Susanne Bier, Después de la boda (Efter brylluppet, Dinamarca-Suecia, 2006). Como todo en la filmografía de Bier, es todo un dramononón. Un hombre que dirige un orfanato en India que está a punto de quebrar es invitado a su natal Dinamarca para intentar conseguir un donador para apoyar a la institución. Ya estando ahí, el benefactor en potencia decide invitarlo a la boda de su hija el fin de semana, en lo que toma una decisión. Reencuentros amargos, secretos revelados, paternidad inesperada y mucho llanto es lo que les espera en esta cinta que reflexiona sobre el temor a la muerte, la humildad, la prepotencia y la compasión. Buenísima.

Luego continuamos con Viaje sin boda (Sveitabrúðkaup, Valdís Óskarsdóttir, Islandia, 2008) que, debo admitir, la recordaba mejor. Una pareja decide casarse en una iglesia rural en medio de la nada, para lo cual contratan dos camiones de pasajeros: en uno va la novia, en otro el novio y los invitados se reparten entre los dos. Llegan personas non gratas, se revelan indiscreciones, se desatan peleas, los anillos no aparecen y todo es un caos bastante interesante... si no son las tres de la mañana y hace un calor del demonio. Creo que todos nos quedamos dormidos en esta. La recomiendo solamente como una curiosidad y para verla sin sueño.

Para finalizar nuestra jornada cinéfaga vimos La mejor de mis bodas (The wedding singer, Frank Coraci, Estados Unidos, 1998). Nunca la había visto completa, solo algunos cachitos. Debo admitir que me hizo reír en algunas partes, me encantó el personaje del viejito borracho y me quitó el sueño. Pero también hay que admitir que es pésima, que Adam Sandler no sabe actuar y que perpetúa todos los clichés del amor romántico. Nunca en la vida volveré a verla.

Firmado con un klínex

2011-08-26T22:18:00.000-07:00

Otro de los textos que analizamos en el taller de cuento impartido por Eduardo Antonio Parra fue el que abre este libro, titulado Rompecabezas, sobre una pareja de arquitectos que tienen una pelea de aquellas que son difíciles de olvidar. De paso aproveché para comprar el libro y leerlo completo.

Trece cuentos brevísimos, muy experimentales, algunos bastante difíciles de comprender, todos muy exigentes para con el lector. Con un excelente uso de la economía de la palabra, Élmer Mendoza crea imágenes precisas en la mente de su audiencia. Su narrativa es poderosa y eficiente, tiene unas cuantas frases muy inspirada y la mayoría de los relatos son asombrosos.

En Si te vas a enamorar que sea de alguien así, un hombre y una mujer se encuentran en una cafetería tras el suicidio de ésta y discuten sobre el futuro de su relación en un sólo párrafo que entrelaza los diálogos de ambos sin pausa entre ellos. El cuento que da nombre a la compilación es sobre un detective que intenta descifrar la oleada epidémica de mujeres hermosas que se quitan la vida, descubriendo una aparente conspiración y lo que parece un romance. Cuerpo narra las transacciones de una mujer de dudosa belleza con aquellos hombres que la desean.

Postal para Diego Luna nos cuenta, de manera supuestamente cinematográfica, la curiosa historia de un trailero en su último/primer viaje. Luego, en Gard, un francés y un italiano se enfrentan en un bar por medio de distintos usos del título resultantes de agregarle, quitarle y modificarle letras y significados. La casa de las sirenas versa sobre un asesinato por motivos amorosos, políticos y poéticos que nadie quiere evitar. Plop es un pseudopoema tan fugaz como incomprensible y ambiguo. Una pareja pone en riesgo sus vidas y desgastan su relación en un hermoso y retorcido juego de expectativas mutuas y desafíos a la monotonía en Regalo de cumpleaños.

Mi favorito, La secta de Gutemberg, nos presenta un mundo dominado por los Nolectores en el cual los lectores de diversos autores conspiran y atentan contra la vida del líder de sus aborrecidos enemigos. En Fiesta se hacen presentes muchos escritores mexicanos contemporáneos, con breves líneas de sus obras como parte de una interminable tertulia/conversación. El libro cierra con La decisión, un relato de obsesión y suerte que tal vez en realidad no lo es.

Me salté uno de los cuentos, con la intención de compartirlo con ustedes. Que lo disfruten:

Ytsé

No se conocían. Fueron los uniformes vistosos, el olor a gasolina, la adicción al ruido y al humo lo que los hizo coincidir en la barra del Café Marimba aquel verano de Dios del que no quisiera acordarme. Eran motociclistas.

La familia de Andrés se había enriquecido vendiendo manzanas para cerdos al horno. El padre de Álvaro ejercía de enterrador. Merx era extraterrestre y Raúl estaba decidido a mantenerse virgen el resto de su vida. Se oía una balada rock de las más horribles. Bebían whisky y hablaban de motos, llantas, bujías, lubricantes, rutas, climas, curvas y asuntos personales, cuando ella apareció.

Cuatro corazones taquicardia.

Yorch, sírvenos por favor, exigió Álvaro, quien bebía whiskyontherocks y era el más ansioso.

Ella era de Cabizbaja, ustedes se han de acordar.

Les echó una media mirada de la cintura para arriba, otra media de la cintura para abajo y siguió como si la brisa.

Raúl, para evitar tentaciones, pensó en abandonar el lugar. Andrés tuvo una erección inmediata. A Merx le faltaba un brazo y supo que eso sería determinante. Álvaro apuró su trago y pidió el siguiente.

Ella tenía una cita con una amiga norka instalada muy cerca de ellos, que continuaban conmocionados, pensando qué fácil es ser idiota en esta vida.

Les concedió dos medias miradas más y por poco enloquecen.

Nada ocurrió mientras la recién llegada y su amiga conversaban. Salvo el silencio de la sangre ardiendo.

Cuando ella fue al baño supieron que el destino que los acababa de unir también los acababa de separar.

Merx quedó eliminado por cuestiones raciales.

Raúl, muy confundido, propuso juegos para que de ahí surgiera el afortunado. Lo excluyeron aduciendo la importancia de ser firme en los propósitos y que el suyo era muy particular, que demostraba lo grande que era.

Merx, muy excitado, exigió competir, pero fue en vano.

Raúl abrió su computadora y compartió la información sobre Cabizbaja: gente peligrosa, pendenciera y muy hermosa. La base de su economía es el comercio de órganos con otros planetas.

Andrés y Álvaro intentaron convencerse mutuamente de desistir. Inútil. Merx, lleno de tristeza, se apartó; otra cosa sería si estuvieran en su planeta.

Álvaro y Andrés decidieron jugarse el liderazgo en lo que mejor sabían hacer: correr motos. Dos vueltas al circuito serían suficientes y allá fueron. Las ducati a punto. Raúl sería el juez.

Una hora después regresaron: uno exultante, el otro realmente derrotado.

Cuando llegaban, Merx salía con la chica llevándola de la cintura con su único brazo.

Protestaron, hey, hey, ¿qué te pasa imbécil? No tienes derecho.

Ytsé, expresó ella con tanta energía y ojos menos bellos que flamígeros, que dejó sus oídos vibrando. Ave María purísima.

Merx, mirando al frente, con ese porte abusivo de los triunfadores, la condujo con señorío.

Entonces, qué remedio, despejaron, más valía llevar la fiesta en paz.

Una hora después la amiga, cuyo país acababa de salir de una guerra, abandonó el lugar con un gesto de ahí se ven. Pronto escucharon la explosión de una nave que se largaba.

Aguardaron.

No resistieron y fuero por Merx. Lo encontraron sin brazos, sin piernas y sin un par de órganos internos; pero con una sonrisa que los motivó a dejarlo así, para no afectarla.

Green Lantern y GL Corps (parte 2)

2011-08-25T15:48:00.000-07:00

Continuando con mi revisión a las historias de Green Lantern, toca turno al tomo Green Lantern: Revenge of the Green Lanterns. Geoff Johns continúa reestableciendo a Hal Jordan como uno de los personajes importantes del Universo DC, aquí lo acompaña el dibujante español Carlos Pacheco en los primeros dos capítulos, en los cuales une fuerzas con su eterno amigo Green Arrow para enfrentar al hijo de Mongul. Nuevamente al aspecto humano de Jordan y a su vida familiar se les da un mayor peso al igual que en el tercer capítulo, en el cual Green Lantern toma una misión junto con Batman para limar las asperezas entre ellos y entender sus diferencias (con arte de Ethan Van Sciver, al cual odio pero también admiro). Las últimas cuatro partes son las que dan el desafortunado título al libro. Para empezar, la historia forma parte de la iniciativa tomada por DC para adelantar todos sus títulos un año en el futuro; así nos enteramos de que Jordan estuvo preso en un campo militar ruso, se han implementado políticas internacionales para limitar las actividades de los superhéroes y hay un precio sobre la cabeza del héroe. Luego se revela una conspiración (planteada en el volumen previo) en la que el Cyborg planea una vez más apoderarse de todo (supongo) usando a los Manhunters. Para darles "pila" utiliza a otros Linternas Verdes que fueron dados por muertos tiempo atrás. Digo, si ya revivieron a Hal, ¿por qué no revivir a todos los demás de un jalón? La idea es que varios de ellos fueron muertos por Jordan bajo el influjo de Parallax y, a pesar de tener que hacerles frente, siento que tendría más peso dramático que siguieran muertos. Además, ni siquiera es una venganza pues no hay ningún plan, solamente regresan por casualidad y guardan mucho rencor. En esta última parte hace su debut en el título el dibujante brasileño Ivan Reis, mostrando un trabajo de gran calidad.

El primer volumen en el título regular de Green Lantern Corps: To Be A Lantern, profundiza en los personajes presentados en la miniserie anterior: Soranik Natu (oriunda del planeta de Sinestro, que ve el portar el anillo como una maldición), Vath Sarn e Isamot Kol (enemigos por la guerra entre Rann y Thanagar, forzados a ser compañeros en su nuevo rol). También continúa dándosele relevancia a Guy Gardner, así como a los veteranos Kilowog y Salaak. La primera mitad gira en torno a una conspiración un tanto transparente, la segunda se va por el lado más bien cómico para retratar las vacaciones de Gardner que se ven interrumpidas por Bolphunga el implacable. En esta segunda parte, Dave Gibbons se hace cargo tanto de guión como de las labores artísticas, con ese estilo tan característico suyo que, sin embargo, no ha perdido vigencia (gracias, en parte, al colorista Moose Baumann que da un toque de frescura a sus trazos). El arte en los primeros capítulos es de Pat Gleason, artista del volumen anterior, cuyo estilo se muestra en constante evolución. El tono policíaco de este título hace de su lectura una experiencia grata.

Ya entrados en gastos, seguiré con Green Lantern Wanted: Hal Jordan. Tras repetidas advertencias, Jordan es perseguido por autoridades rusas por ingresar en su espacio aéreo. Al mismo tiempo, varios cazarrecompensas buscan capturarlo y sus compañeros de la Liga de la Justicia pretenden al mismo tiempo ayudarlo pero detenerlo. Abordando el tema de la guerra en otros países, Johns toma una postura muy pro-combate la cual no me deja del todo cómodo, demasiado yankee. El arte de Ivan Reis muestra su clara influencia de la escuela de Jim Lee, aunque pasada por unas clases de Alan Davis al reducir el exceso de detalle y agregar un realismo más sobrio. Al revelar quién está tras la recompensa por el héroe también se da el segundo indicio de que algo más grande está pasando (lo cual dará pie a Sinestro Corps). De igual manera, los últimos tres capítulos traen de regreso a Star Sapphire, en una historia graciosa de romance y acción que nos presenta un espectro más de la luz. El arte aquí corre a cargo de Daniel Acuña, con un estilo similar al de Adam Hughes (en particular por su forma de acercarse a la belleza femenina).

Para terminar esta reseña, en Green Lantern Corps: The Dark Side of Green el escritor Keith Champagne nos trae una emocionante e inventiva historia en la que Guy Gardner es enviado en una misión de black-ops, introduciendo a un operativo que se hace cargo de los encargos sucios de los Guardianes. Para la segunda mitad regresa Dave Gibbons a los guiones, desarrollando más las historias de los personajes previamente presentados e incriminando a Guy Gardner por dos asesinatos. En un giro bastante interesante de algo que venía gestándose desde varios números atrás, se revela que Mogo (el planeta viviente que es en sí mismo un GL) ha caído víctima de una infección viral que ha lavado la mente de otros Linternas Verdes, poniendo en riesgo la supervivencia de las Corps. El arte de Pat Gleason se empieza a definir, dejando un poco de lado las líneas gruesas para contornos exteriores al estilo Ed McGuiness para inmiscuirse más en detalles interiores. Para terminar, los dejo con la asombrosa portada del primer capítulo de este libro.

Cuentos violentos

2011-08-25T15:06:00.000-07:00

Como parte del taller de cuento en el cual estoy participando, sobre la violencia en la escena narrativa, se nos encargó leer y analizar los cuentos de esta antología compilada por Norma Lazo. La idea tras los relatos es explorar la violencia en sus diversos aspectos, yendo desde su tradicional y explícita forma física hasta la de carácter corporativo, pasando por la violencia de género y la autoinflingida. Como en toda colección de cuentos cortos, hay para todos los gustos y los hay unos mejor logrados que los otros. Dado que este blog es sólo de crítica y no de análisis, solamente comentaré brevemente cada relato.

El libro abre con un breve prólogo a cargo de la antologadora para dar paso a Los culpables, de Juan Villoro, sobre un par de hermanos entre los cuales un secreto sale a la luz al coescribir un guión cinematográfico. Guillermo Fadanelli nos presenta Shin Bu Kan, relato cíclico de un hombre que reflexiona sobre su pérdida de identidad frente a su pareja al encontrarse cerca de la muerte; a pesar de los muchos elogios al autor, no disfruté de su lectura. El despertar de la calle, de Eduardo Antonio Parra (quien imparte el taller), muestra la violencia doméstica de los barrios bajos contrastándola con la aparente alegría de las fiestas decembrinas.

En Eso que no es el mundo, Rafael Antúnez nos presenta a una especie de villana de telenovela en busca de venganza ante una falta quizás imaginada cuya historia se entrelaza con las anécdotas de un judicial que ha sido cansado testigo de incontables atrocidades; los personajes son bastante buenos, pero no se le da el peso suficiente a ninguna de las dos historias. Luego sigue Un asunto pesado, uno de mis favoritos en el libro, a cargo de Héctor de Mauleón; aquí un ex boxeador de compleja psicología que trabaja para el narco decide sacrificar ciertas cosas para cambiar el rumbo de su vida. Bajo el confuso título de El espejo de imán, Adriana González Mateos nos trae una historia de violencia artística aparentemente profética mezclada en una relación pseudoamorosa de codependencia.

Álvaro Enrigue nos habla de la sutil violencia que ejercen las mayorías sobre aquellos que son diferentes en El saco de Constantinopla, el cuento que más disfruté de la antología y, por mucho, el más divertido. Médico y medicinas, de Luis Arturo Ramos, va tejiendo lentamente la historia de un doctor con la de uno de sus pacientes que le despierta un interés inusual, revelando un lazo del pasado que los une a través de la culpa y el encono social. No me gustó el relato de Claudia Guillén, La iluminada, pues a pesar de retratar un hecho verídico y reciente sobre violencia derivada de la intolerancia e ignorancia religiosa siento que peca de reducir a los "villanos" a un lugar común.

La última terna de cuentos empieza con otro de mis favoritos: Neutral, de Naief Yehya, cuya representación de un atentado contra un líder terrorista basado en una historia real crea imágenes de gran exactitud y realismo. La sombra blanca, de Gabriela Vallejo, tiene por protagonista a un escalofriante psicópata que hace las veces de médico, cuestionando el papel de la medicina como una ciencia más bien inexacta. Por último, J. M. Servín nos presenta una violencia generada por la homofobia en Dando y dando, un cuento que cumple pero tiene algunas fallas en el planteamiento.

Green Lantern y GL Corps (parte 1)

2011-08-22T15:38:00.000-07:00

Desde fianles del 2004, DC Comics se puso las pilas para revitalizar a uno de sus personajes centrales y poner en orden su mitología. Tal fue su éxito al hacer esto que Linterna Verde ha estado al centro de los recientes eventos anuales de la editorial y ya hasta le hicieron su película. A pesar de que más o menos sé lo que ha pasado en su comic, no lo había leído. Gracias a mi amigo Antolín estaré revisando todo lo que ha ocurrido con el personaje desde su regreso a la gloria, empezando por Green Lantern: Rebirth.

Revivir a un personaje es siempre un asunto delicado. Es algo característico del comic norteamericano que puede funcionar muy bien o resultar un completo fracaso. Lo central no es el hecho de que fulano o mengano regrese, sino qué tan buenas historias se pueden contar al respecto. Aquí, Geoff Johns logra incorporar la pesadísima continuidad oficial de una manera que se siente a la vez ligera, fresca y fiel a la historia. En algo muy parecido a las típicas tomadas de pelo se plantea la "inocencia" de Hal Jordan en todo el asunto "Parallax," replanteando de paso la tradicional "falla amarilla" en los mitos de los Linternas Verdes. Y si Jordan está de regreso, su némesis Sinestro no puede estar lejos. En general, no me gusta el arte de Ethan Van Sciver, pero admito de que es bueno en lo que hace: el uso de la luz verde en los distintos portadores del anillo, el juego de luces y sombras (en particular al usar a Batman) y su atención al detalle hacen que sus dibujos capturen la atención del lector.

La historia continúa en Green Lantern: No Fear. El trade abre con una comnovedora historia que nos muestra el lado humano de Jordan, lo que en primer lugar le dio su lugar en el corazón de los lectores. El arte de Darwyn Cooke en este capítulo se siente un tanto tieso, pero se ve el potencial que eventualmente ha alcanzado este artista. Luego Carlos Pacheco acompaña a Johns en el arte para presentar el regreso de los Manhunters, quienes jugarán un papel importante en la siguiente historia. Por último, podemos gozar nuevamente del arte de Van Sciver en una historia que empieza a sentar las bases de eventos venideros, con el regreso de Black Hand y una historia que revela el papel que han jugado hombrecillos verdes del espacio (¿en serio?) en el origen de varios villanos de GL. Los puntos fuertes en la trama son, nuevamente, los aspectos humanos de Jordan, su vida familiar y la reconstrucción de Ciudad Costera.

Para terminar esta reseña, toca el turno a Green Lantern Corps: Recharge. Parte importante de los mitos de GL es su relación con este cuerpo policíaco interestelar el cual regresa con todas las de ganar. Co-escrito entre Johns y el aclamado Dave Gibbons (artista de Watchmen) y con arte de Patrick Gleason, se pone al centro de la escena al carismático y detestable Guy Gardner, dándole el lugar que merece en el Universo DC. En este primer arco también comparten escena Kyle Rayner y algunos principiantes, mostrando las dificultades del entrenamiento, buenos conflictos de personajes, buen desarrollo de historia y la tendencia a desobedecer característica de Gardner que, no obstante, lo hace valioso para las GL Corps.

Supongo que esta reseña será un poco confusa para quien no esté familiarizado con los personajes y los temas. De antemano les pido una disculpa, es otra de las características del comic de superhéroes que lo hace de difícil acceso. Es un tanto necesario ser ya un geek para darle valor a estas historias, pero la idea de regresar a Jordan era también darle una oportunidad a nuevos lectores de entrarle al personaje desde un punto un poco menos hostil sin que sea necesario leer las décadas de continuidad preexistente. En general, se trata de buenas lecturas, recomendables aún si no piensan leer todo lo que vino antes o lo que vendrá después.

Super 8

2011-08-22T15:02:00.000-07:00

(J. J. Abrams, Estados Unidos, 2011)

Como con otros trabajos de Abrams (Lost, Cloverfield), el misterio es lo importante aquí. En 1979, un grupo de chavitos de catorce años están filmando a escondidas una película para un concurso. Una noche, mientras filman, un tren se descarrila de manera espectacular. A la mañana siguiente, la Fuerza Aérea intenta descubrir el paradero de la enigmática carga del tren y silenciar a todo aquel que quiera saber de más. La intriga es muy buena, lo suficiente para mantener al público en la sala a pesar de estar ya fastidiado con tal de saber qué diantres fue lo que pasó. Sin embargo, el ritmo es un poco deficiente, siento que funcionaría mucho mejor como una miniserie en dos o tres entregas.

Los jóvenes actores son bastante carismáticos, la época es recreada con bastante certeza y los valores de producción quitan el aliento, aunque a veces llegan a ser excesivos. Y la resolución de la trama apesta a la complacencia de Spielberg, quien funge como productor.

En resumidas cuentas, me pareció lo suficientemente buena como para recomendarla, aunque con reservas. Y me gustó mucho más la película de zombies realizada por los chicos (mostrada durante los créditos finales) que el filme en sí.

Quiero matar a mi jefe

2011-08-22T14:48:00.000-07:00

(Seth Gordon, Estados Unidos, 2011)

Supongo que fui una víctima de la mercadotecnia. Tenía ganas de ver esta película sin saber siquiera de qué trataba, al parecer la premisa y los carteles fueron suficientes para despertar mi interés. Soy de la idea de que un filme con semejante título tiene mucho potencial para proporcionar un entretenimiento catártico, por desgracia dichas posibilidades no fueron bien aprovechadas por la cinta aquí reseñada.

Para empezar, me pareció machista. Los tres protagonistas son hombres (bastante estúpidos, por cierto), de modo que la temática es abordada desde una perspectiva exclusivamente masculina. El único personaje femenino es uno de los "villanos," pero el filme se centra en explorar el aspecto sexual del mismo, reduciéndola a un papel menor y acartonado.

Además, toda la idea de "tres tipos que se ven involucrados en aprietos y situaciones absurdas haciendo gala de su incompetencia al enfrentarlas" me suena demasiado similar a la esencia de ¿Qué pasó ayer? (The Hangover, Todd Phillips, Estados Unidos, 2009) y me molesta que sea tan transparente el intento de capitalizar en un éxito probado con cierto público.

Por último, los personajes me parecieron insoportables, las situaciones demasiado inverosímiles, lo "arriesgado" es demasiado conservador, lo "políticamente incorrecto" no llega a ser ofensivo y el humor negro que podrían haber usado se ve reducido a un humor simplón y aburrido, demasiado bien portado. No la recomendaría aún si mi vida dependiera de ello, ni siquiera por la participación de Kevin Spacey (a quien respeto mucho) y de Jennifer Anniston (que se ve súper bien).

Utopia Ltd.

2011-08-20T16:30:00.000-07:00

(Sandra Trostel, Alemania, 2010)

Como parte de la semana de cine alemán en la Cineteca Nacional, la neurobunch acudió a ver este documental sobre el grupo de wave punk (según ellos mismos se autodenominan) 1000 Robota. Tres chavales, dos de ellos aún menores de edad, se meten de lleno al mundo del espectáculo y se enfrentan a sus sinsabores.

A pesar de tener algunas reflexiones interesantes, el documental carece de objetividad pues se centra en uno de los integrantes de la banda y deja a los otros de lado. El frontman es fastidioso sin llegar a ser carismático, lleno de ideales respetables pero fuera de lugar. La estructura del documental padece de un ritmo inconstante, no sabiendo mezclar de manera orgánica las canciones con las entrevistas. Se le perdona a la directora por ser su opera prima, pero ojalá aprenda de sus fallas pues puede desarrollar un gran potencial.

El retrato de la industria musical se siente un poco trillado, abordando las problemáticas que conocemos de sobra: el papel de los medios de comunicación, la manipulación de la información, la sobreexposición de un grupo que apenas comienza, la dicotomía entre grabar y presentar shows en directo, etc. Documental más bien aburrido que gustosamente me hubiera ahorrado.

La cuerda floja

2011-08-20T16:19:00.000-07:00

(Nuria Ibañez, México, 2009)

A muchos les parece romántica la idea de vivir en un circo, no por nada Fellini dedicó gran parte de su vida a tratar de reflejar la magia del mismo a través de su cine. Este documental nos muestra de manera muy cotidiana las realidades de esta profesión en un pequeño circo de Texcoco, reflejando las dificultades a que tienen que enfrentarse quienes han decidido vivir de esta manera.

Utilizando una cámara que es más bien testigo de los acontecimientos sin interactuar con las personas retratadas, da la impresión de una visión mucho más auténtica y objetiva de las cosas. Es así que vemos el día a día de los integrantes del Circo Aztlán, desde que preparan el desayuno, cuidan a los animales y preparan sus números hasta las discusiones domésticas que llegan a darse entre ellos. Vemos como, contrario a las fantasías escapistas de mucha gente que lleva vidas convencionales, un cirquero puede llegar a cansarse de la farándula y puede desear un trabajo más mundano. También queda evidenciada la angustia de no juntar público suficiente para dar una función y la subsecuente necesidad de cancelarla. Pero más que nada, la cinta está permeada de la pasión de Marcelo, padre de familia, clown y director del circo, que es el alma de este circo.

Admito no sin cierta vergüenza que, debido al extremo cansancio al que me he visto sujeto últimamente, me quedé dormido durante lo que me pareció un tramo bastante largo e importante del filme. Es por este motivo que, a manera de compensación, les comparto la reseña que hizo Ana Paula sobre el mismo. Que lo disfruten.

Lobster Johnson: The Iron Prometheus

2011-08-20T15:48:00.000-07:00

Como otro regalo de cumpleaños que decidí leer con el afán de verificar que lo que estaba dando cubría los requerimientos mínimos de calidad, este comic llegó a mis manos. Escrito por Mike Mignola (creador de Hellboy) e ilustrado por Jason Armstrong, nos narra algunas de las aventuras del héroe pulp que ha aparecido en otros comics de Mignola. El personaje titular es un vigilante que combate a gangsters y a espías nazis, mezclados con uno que otro monstruo de vez en cuando. Con la brutalidad característica de los personajes de los años 40, marca a sus enemigos en la frente con una tenaza de langosta al rojo vivo.

En esta historia centrada en las aventuras de Johnson, el justiciero debe proteger al portador de una armadura experimental que utiliza energía Vril (utilizando tecnología basada en la de los hiperboreanos) en contra de la "amenaza amarilla." Como siempre, algunos chinos siniestros buscan destruir al mundo trayendo de regreso unos cuantos dragones, por qué no. Si además le agregamos a una damisela en peligro, científicos, nazis (que nunca están de más) y al equipo que apoya a Lobster, tenemos los ingredientes de una buena historia que no se tienta el corazón a la hora de enfrentar a sus personajes con el peligro.

Mi única queja, como con casi todo lo que hace Mignola, es que la acción es demasiado visual y lo deja a uno con la impresión de que las cosas se solucionan de manera en demasía sencilla. Tal vez si la narrativa gráfica utilizada fuera un tanto menos comprimida podría evitarse esto. El arte de Armstrong emula en buen grado los diseños característicos del escritor pero tiene su propio acercamiento a esta estética ahora tan popular.

Un extra que le da un muy buen sabor al libro es la adición de pequeños artículos metaficticios que abordan las distintas etapas del personaje a través de los tiempos en el mundo "real," desde ser un personaje de seriales de televisión y programas de radio, pasando (obviamente) por los comics y llegando incluso a las películas mexicanas de luchadores. De cualquier manera, para aquellos que gusten de personajes al estilo de The Shadow o Doc Savage, este comic es una buena alternativa.

Ciudad

2011-08-20T14:03:00.000-07:00

Esta novela, originalmente publicada en 1952, está compuesta por ocho cuentos que hablan sobre la humanidad, ese perpetuo enigma. Más enigmático aún dado que ha desaparecido y son los perros, herederos del mundo, los que analizan esta literatura intentando descifrar su significado y sin decidirse por si el hombre en realidad existió o es sólo una leyenda.

A diferencia de las Crónicas marcianas de Bradbury, aquí no se resaltan los aspectos negativos de la humanidad. Bueno, no todos. Pero se plantea la cuestión de que los verdaderos problemas de la humanidad no radican en sus defectos sino en sus características intrínsecas: en la imposibilidad de comunicar una idea de manera clara, en sus limitaciones para percibir la realidad, en su orgullo, en sus ganas de ser algo más.

El prólogo y las notas previas a cada cuento son escritas por un perro, que plantea la verosimilitud de cada relato y las distintas posturas al respecto. Los cuentos mismos nos narran la historia de la humanidad a partir de 1999 y avanzan a pasos acelerados hasta diez o doce mil años en el futuro. Ciudad, el relato que da título a la obra, nos habla de la obstinación y la fútil resistencia al cambio. Encierro versa sobre la creciente agorafobia en la humanidad, la cual es evidente ya en nuestra época. En Censo se nos presenta a los mutantes, humanos que han cambiado pero lo que los hace distintos no es su naturaleza biológica sino su indiferencia al resto de la gente; aquí también aparecen los primeros perros parlantes. Deserción es el único cuento que abandona de manera momentánea a la protagónica familia Webster para contarnos sobre un hombre y su perro que deciden dejar de serlo, para ser algo mejor. En Paraíso, no obstante, dicho hombre regresa para compartir sus hallazgos con el resto de la humanidad y un complot por parte de los mutantes logra acabar con la mayoría de la humanidad. Entretenimientos nos presenta a los restos de la humanidad, perdidos en labores insignificantes; en este cuento uno de los Webster se da cuenta de que es mejor dejar al mundo para los perros, sin la influencia del hombre, y asesta un golpe fatal al resto de su especie. Esopo es un ejemplo de que el hombre, por bienintencionado que sea, siempre será una criatura destructiva. Y El modo más simple reitera esa postura.

Tal vez en efecto la humanidad no tenga solución a sus problemas, quizás el mundo sea un lugar mejor sin su presencia. Para terminar esta reseña les dejo esta portada alternativa que me resultó impresionantemente buena, así como el fragmento final del sexto relato:

Y eso no debía ocurrir. Los perros temían que tener su posibilidad. Tenían que vivir tranquilos e intentar el éxito allí sonde el hombre no lo había logrado. Y mientras hubiese un elemento humano, los perros no podían tener éxito. Pues el hombre querría volver a dominarlo todo, estropearía las cosas, se reiría de los duendes que hablaban en el otro cuarto, objetaría que se domase y civilizase a todos los animales.

Normas nuevas, un nuevo modo de pensar y vivir, una nueva aproximación a los problemas sociales. Y no había que manchar todo eso con el pesado aliento del hombre.

Los perros se reunirían en las noches, después del trabajo, y hablarían del hombre. Contarían, una y otra vez, las viejísimas historias y el hombre sería un dios.

Y sería mejor de ese modo.

Pues un dios no puede obrar mal.

The Calling: Cthulhu Chronicles

2011-08-18T14:50:00.000-07:00

Como regalo de cumpleaños para el lovecraftiano mayor de la Neurobunch, Miguel (alias Gruñis), conseguí este comic del año pasado que me hizo pensar en él desde que lo vi. Obviamente, no podía regalárselo sin haberlo leído antes. Digo, para cerciorarme de que no le estaba dando una obra de calidad menor a lo que su refinado gusto acostumbra.

La premisa básica es compleja, varios personajes se van entrelazando hasta que sus caminos se unen. El protagonista principal es Clay Diggs, vendedor de una farmacéutica importante, quien se entera de que su hermana se internó a sí misma en un manicomio. Simultáneamente, un crucero encalla en la costa con toda la tripulación muerta (y unos cuantos cuerpos de más). Por otra parte, un ejecutivo de una de las compañías de diseño publicitario de mayor renombre cometió suicidio y su sucesora empíeza a encontrar coincidencias extrañas en las campañas para las cuales estaba trabajando.

La historia, escrita por Michael Alan Nelson y Johanna Stokes, se desarrolla de manera bastante fluída, incorporando elementos lovecraftianos tradicionales -cultos malignos, locura, conspiraciones, suicidas e invocaciones en lenguas arcanas- con otros elementos más contemporáneos como cultura corporativa, narcóticos, moda, medicina y turismo. El resultado logra crear la atmósfera adecuada para contar una historia inteligente que puede complacer a los seguidores del escritor oriundo de Providence. En cuanto al arte, a cargo de Christopher Possenti, implementa técnicas de diseño que ayudan de gran manera a contar la acción. Nos presenta un mundo creíble y muy parecido a la realidad, además de que no escatima esfuerzos al incluir detalles de fondo. Y se esfuerza en diferenciar a cada personaje, así como en mostrar grandiosas expresiones de horror que logran inquietar al lector.

Hacia el final pareciera que los personajes son más heróicos que los acostumbrados protagonistas del horror cósmico, pero la conclusión tiene su debida dosis de pesimismo e inevitabilidad. En definitva recomendable para todos aquellos que gusten de historias sobre Cthulhu, y también para quienes nunca hallan escuchado mencionar su profano nombre.

¡Que te calles!

2011-08-15T15:58:00.000-07:00

(Tais-toi!, Francis Veber, Francia, 2003)

Desde hace mucho tenía ganas de ver esta película, recomendada por Ana Paula. La premisa es sencilla: Quentin (Gérard Depardieu) es un tonto de fuerza descomunal que no tiene amigos y no conoce otra forma de vida que el crimen, pasando más tiempo dentro que fuera de la cárcel. El problema es que es tan irritantemente amigable que ningún otro preso lo soporta. Entra entonces en escena Ruby (Jean Reno), un matón endurecido que traicionó a su jefe mafioso pero se niega a delatarlo y no dice palabra alguna a nadie. El personal de la prisión decide ponerlos en la misma celda, para ver si el "carisma" de Quentin logra quebrar la intransigencia del otro, pero lo único que logran es que el primero vea en su silencioso compañero al único amigo que no pierde los estribos a su lado.

Para tratar de salvar a su nueva amistad, Quentin organiza una fuga del psiquiátrico al cual fueron transferidos e insiste en seguir a Ruby a todas partes, a pesar del rechazo que le demuestra. Con momentos bastante graciosos y muy buenas actuaciones por parte de dos veteranos del cine francés, el filme cumple con el cometido de entretener de manera ligera e incluso conmovedora. Recomendable para pasar un momento grato y reír bastante, pero hasta ahí. Ah, y sale una núbil bastante núbil.

Captain America: The First Avenger

2011-08-13T07:00:00.000-07:00

(Joe Johnston, Estados Unidos, 2011)

Como fan de comics, en particular de Marvel, he seguido fielmente las versiones fílmicas de sus personajes. Siento que Marvel Studios ha logrado de bastante buen grado trasladar a las salas de cine el éxito de sus historias, me encanta como poco a poco han ido creando el entramado intertextual para crear un universo común entre todos los filmes, como parte de un ambicioso proyecto que verá su primera culminación el próximo año con la salida de The Avengers (Joss Whedon, Estados Unidos, 2012). Pero he de admitir que no todas las cintas han sido tan buenas. Esta me parece una de las menores.

Comienza en la época actual, con unos soldados descubriendo una especie de avión atrapado en el hielo y un atisbo del emblemático escudo de Captain America. Y entonces empieza un flashback en 1942. Pero el resto de la película es el mismo flashback extendido y desarrollado de una manera un tanto tediosa y poco orgánica. Recientemente he aprendido que si contamos una historia de manera lineal, esta puede ser pesada e incluso aburrida. Esta película es un claro ejemplo de lo mismo. En lo personal, hubiera preferido que se exploraran los conflictos de un hombre desplazado a través del tiempo, recurriendo a flashbacks breves para contar lo necesario de su origen, los puntos relevantes y que establecen su carácter. Hay muchas cosas que podrían explotarse de ese modo. Además, una historia con dos cronologías que se van desarrollando paralelamente me parece que hubiera rendido resultados más satisfactorios. Sin embargo, a mí nadie me preguntó antes de escribir el guión.

Otra cosa que me molestó es el poco desarrollo de personajes. Bucky se ve reducido a menos que un sidekick, ni siquiera su versión original (antes de que Ed Brubaker lo convirtiera en un bad ass) tenía tan poco protagonismo. Los Howling Commandos ni siquiera son llamados por sus nombres propios. Y dado que la acción ocurre durante la Segunda Guerra Mundial, podrían haber hecho una buena película de guerra, con misiones de black ops, buena intriga y tensión, pero todo eso se diluye en un filme que opta por mostrar gadgets y vehículos anacrónicos que nada aportan a la trama. En resumidas cuentas, me parece bastante fallida esta película que, a pesar de no ser mala, tampoco llego a considerarla ni medianamente buena.

Camino a la libertad

2011-08-11T21:46:00.000-07:00

(Peter Weir, Estados Unidos, 2010)

Independientemente de si los supuestos hechos reales en que se basa fueron de hecho reales o no, la historia es bastante buena. Un grupo de prisioneros en Siberia se fugan del gulag y enfrentan al clima, a los animales salvajes, a la noche, al hambre, a los mosquitos y al cansancio extremo para recorrer a pie la distancia que los separa de India. Al igual que cuando vi 127 Horas (Danny Boyle, Reino Unido-Estados Unidos, 2010), me sorprende lo bien preparadas que están ciertas personas para enfrentar a la naturaleza en sus aspectos más implacables. Si yo me viera en medio de una situación como las aquí retratadas, seguro me muero a los cinco minutos (ahora bien, dado mi sedentario estilo de vida, difícilmente podría verme envuelto en un dilema similar).

Porque uno siempre encuentra jovencitas atractivas en medio de áreas despobladas...

Para ser una película estadounidense, no se le da tanto peso al único personaje gringo. A pesar de que la mayoría de los actores son sajones, sus convincentes acentos europeos nos mantienen dentro de la realidad planteada por el filme. Las mínimas probabilidades de sobrevivir hacen que la tensión se mantenga de manera constante. El final evita las trilladas pantallas en negro con bloques de texto para informarnos del destino de cada personaje y en lugar de ellas utiliza un montaje que culmina en un momento bastante conmovedor. Y tiene un gran momento que podría usarse de argumento contra el suicidio, cuando Janusz le pregunta a Mister por qué no se ha quitado la vida, éste simplemente le contesta: "Sobrevivir es una forma de protesta. Y estar vivo es mi castigo."

Enseñanza de vida

2011-08-11T21:13:00.000-07:00

(Lone Scherfig, Reino Unido, 2009)

¿Cuál es el verdadero valor de la educación? ¿En dónde se aprenden las cosas realmente útiles? Más o menos de eso trata esta cinta, basada en un artículo autobiográfico de Lynn Barber. Ubicada a principios de los años 60, relata la historia de Jenny (interpretada por la multi-nominada Carey Mulligan), jovencita de dieciséis años con deseos de ingresar a la Universidad. Todo cambia cuando conoce a David, un hombre mayor que ella pero aún joven, quien estudió en la aclamada escuela de la vida y le enseña otra perspectiva.

Núbiles de los años 60.

Cuando vi el poster, juraba que el protagónico masculino corría a cargo de Ewan McGregor, pero resulta que se trata de Peter Sarsgaard. Tanto él como Mulligan presentan sólidas actuaciones en una cinta que depende por completo de ellas. Me pareció que el giro hacia el final resulta un tanto inesperado por falta de indicios durante el desarrollo, pero no lo suficiente como para arruinar la película y sí como para evitar que sea por completo predecible. Ultimadamente, el mayor peso lo tiene la reflexión sobre lo importante del equilibrio entre el estudio y la vida práctica.

Vincentenario: Un siglo de miedo con Mr. Price

2011-08-09T21:51:00.000-07:00

Con motivo de los cien años del nacimiento de Vincent Price, la Cineteca Nacional proyectó uno de sus aclamados programas dobles dedicados a este emblemático actor cuya prolífica carrera incluyó altos y bajos, pero casi todo dentro del influyente medio del cine de serie b.

La primera función fue The tingler (William Castle, Estados Unidos, 1959). Más que nada un guión ingenuo con bastantes buenas intenciones, lo inverosímil del mismo le resta poder a una idea original pero que no llega muy lejos. Ideal para alejar a los jovencitos de la tentación del LSD, muestra sin embargo una genial actuación de Price siendo víctima del horror más profundo. Y a pesar de que su científico insensible a las necesidades humanas se me antoja un poco repetitivo, lo siniestro de su comportamiento me encantó.

Pero la segunda película fue la cereza en el sangriento pastel de cumpleaños: Theatre of Blood (Douglas Hickox, Reino Unido, 1973), en la que un actor veterano que solamente protagoniza obras de Shakespeare regresa aparentemente de la tumba para vengarse del círculo de críticos que le arrebataron su merecida gloria. Un comentario interesante sobre la responsabilidad de quienes reseñamos obras e interpretaciones ajenas, es fascinante y al mismo tiempo choqueante la manera en que se utilizan las obras del bardo como el móvil en una serie de asesinatos brutales. Muy recomendable, nomás no se escandalicen por la manera de abordar a los grandes clásicos del teatro.

¡Cine psicotrónico en 3D!

2011-08-09T21:26:00.000-07:00

El pasado viernes 29 de julio se llevó a cabo el maratón que organizó Jorge Grajales para el mes que terminaba. La idea era explorar algunas películas en tercera dimensión realizadas mucho antes de que dicho formato perdiera su relevancia por un largo tiempo antes de gozar del resurgimiento que actualmente tiene. La concurrencia fue mucho mayor de lo anticipado, por lo que los lentes de 3D no fueron suficientes para todo el público. El no-tan-respetable se puso demasiado inquieto, pero afortunadamente Grajales se portó como todo un profesional y logró de manera heróica que se repartieran las lentillas de una manera justa y ordenada.

Para comenzar el maratón, se proyectó una selección de cortometrajes pioneros en el uso de la tecnología de anaglifos, desde trabajos experimentales de los mismísimos hermanos Lumière (¡!) hasta fragmentos y trailers de películas de los años 30, 40 y 50. Uno de los cortos incluidos explica de manera bastante jocosa el funcionamiento de esta forma de proyectar imágenes.

A continuación vimos uno de los filmes "anunciados" en los trailers: Vinieron del espacio exterior (It Came From Outer Space, Jack Arnold, Estados Unidos, 1953). Basado en un relato de Ray Bradbury, fue en definitiva la mejor pieza de la noche. Lo único malo es que el numeroso público fue bastante impertinente y parece que nunca habían visto una película de CF de los 50: se reían de cualquier idiotez y no mostraban ningún respeto por la película. Como en otros relatos de Bradbury, la verdadera amenaza no es la visita de formas de vida alienígenas sino la intolerancia propia de los (apestosos) seres humanos.

La siguiente función fue otra cinta americana del mismo año, Las mujeres gato de la luna (Cat-Women of the Moon, Arthur Hilton, Estados Unidos, 1953). Francamente malona, con efectos visuales paupérrimos, malas actuaciones y una historia que sirve meramente de pretexto para usar la tecnología de 3D de manera más que deficiente, no pude evitar quedarme dormido. De cualquier forma, no se justifica el inmaduro comportamiento de la audiencia.

Luego procedimos con Aabra Ka Daabra, la escuela de magia (Shanu Singh, India, 2004), parodia bollywoodense a Harry Potter. Como en casi todas las películas de este tipo, se fusilan cosas de aquí y de allá y hay muchos números musicales. Se nota que muchas personas de las que asistieron nunca habían visto cine de la India, pues estaban risa y risa. Dentro de lo que cabe, la película entretiene. Aunque ya con sueño, dejé de poner atención a los subtítulos y me di cuenta de que los diálogos eran totalemente superfluos: se entendía perfectamente la acción aún sin las palabras. Y la actriz que hace de la villana está muy núbil.

Dados los retrasos al empezar la velada, se canceló una de las funciones programadas y nos saltamos a la última, Las aeromozas (The Stewardesses, Al Silliman, Jr., Estados Unidos, 1969). En su momento fue la película en 3D que más fondos recaudó por sus frecuentes reestrenos, los cual se explica al mencionar que se trata de una soft porno. En verdad es bastante aburrida y el uso de las imágenes que salen de la pantalla es bastante absurdo y risible. Aquí sí, en las escenas de sexo todos estaban bien calladitos.

No viene tanto al caso pero ¿a poco no está bien chido este vestido?

Y así termina mi reseña al maratón, que parece más denuncia del desconsiderado público. Ojalá y no vuelvan a ir (o que en su defecto aprendan a callarse y a no patear los asientos de adelante). Cada vez soy más neuras, pero no me molesta.

Medianoche en París

2011-08-06T22:53:00.000-07:00

(Midnight in Paris, Woody Allen, Estados Unidos-España, 2011)

Woody Allen ha estado teniendo una muy buena racha. Para no variarle, su más reciente filme fácilmente puede ser incluido dentro de sus mejores trabajos. La historia gira en torno a un exitoso guionista de Hollywood que quiere convertirse en novelista, Gil Pender, el cual viaja con su prometida a París acompañando a sus suegros en un viaje de negocios. Haciendo mordaces comentarios en contra de los intelectuales pedantes y los hombres de negocios, el filme es una reflexión sobre el arte, una de las ciudades más inspiradoras del mundo, la nostalgia por el pasado y la valoración del presente.

No les revelaré nada más de la trama pues el descubrir lo que sucede en ella es maravilloso. Simplemente comentaré que todo aquel que guste de la literatura, la pintura o el arte en general se divertirá y se deleitará a la vez con las ocurrencias de Allen. Y el personaje vive una oportunidad por la que muchos mataríamos.

Es curioso ver cómo los actores que ocupan el rol protagónico en una película de Allen hablan, se mueven y se comportan como el director lo hacía cuando actuaba en sus propias películas. En ese respecto, Owen Wilson hace un gran trabajo. Como es característico en la filmografía de este cineasta, resulta evidente su gusto por las mujeres hermosas: Rachel McAdams se ve guapísima (aunque su personaje es el de una perra odiosa), Marion Cotillard resulta encantadora y la primera dama francesa Carla Bruni hace una breve pero significativa aparición.

En resumidas cuentas, Medianoche en París es una cinta que no deben perderse por nada del mundo. A pesar de hablar del mundo del arte, no lo hace de manera excesivamente intelectual y me da la impresión de que puede ser disfrutada por cualquier tipo de persona. Y, a diferencia de la mayoría de las películas de Woody Allen, esta no tiene un final cínico y desolador, sino todo lo contrario.

El apocalipsis según Romero

2011-08-06T22:34:00.000-07:00

El pasado 25 de julio, la Cineteca Nacional fue invadida por una horda de muertos vivientes. Bueno, la pantalla de la Sala 1, al menos. Como ya han venido haciendo de un tiempo para acá, se organizó un maratón de películas esta vez dedicado a revisar la saga de películas de zombies de quien muchos consideramos el director más importante en el subgénero y el padre del zombie moderno, George A. Romero. Como con todas las cosas que tienen que ver con zombies, una gran concurrencia se dejó ver en el evento: las filas para cada función eran larguísimas y cada que terminaba una función los espectadores salíamos corriendo a formarnos con la misma premura que tendríamos si fuéramos perseguidos por un redivivo hambriento.

El festín de tripas y sesos comenzó por el principio, con La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, Estados Unidos, 1968). A pesar de que he visto este clásico en innumerables ocasiones, vale la pena verlo en pantalla grande. Lo único malo es que los jovencitos de hoy en día no conocen el respeto por los clásicos: muchos se reían al parecerles absurdas las premisas de la cinta (ya quisiera verlos riendo si en verdad los muertos atacaran a la gente y devoraran a sus víctimas). El público de hoy en día simplemente no se mete a las películas, no es comprometido. La historia, sencillamente, gira en torno al día en que los muertos dejaron de morir y empezaron a alimentarse de los vivos. Un pequeño grupo de sobrevivientes se unen renuentemente para defenderse de los monstruos, mas la desconfianza y las distintas perspectivas del asunto se convierten en su perdición.

Dejando atrás mi perorata de viejito amargado, procedo a hablar de la segunda función: El amanecer de los muertos (Dawn of the Dead, Estados Unidos-Italia, 1978). Con el apoyo de Dario Argento, Romero realizó la memorable segunda entrega en su serie. Sólo la había visto una vez antes y me sorprendió, al revisitarla, el notar lo vigente que sigue siendo (a pesar de los zombies con piel azul). La música, a cargo del grupo Goblin, le da el toque necesario de tensión y atmósfera, ubicándola en su época pero sin sonar anticuada. Y el comentario social en ésta es mucho más claro. Ya entrados en pleno holocausto zombie, un par de policías, un piloto de helicóptero y una reportera deciden huir pero terminan refugiándose en un centro comercial. Como siempre, las cosas salen bien hasta que otros humanos se involucran.

En este maratón tuve ocasión de ver por primera vez El día de los muertos vivientes (Day of the Dead, Estados Unidos, 1985), según algunas fuentes la favorita de Romero mismo. Una especie de misión humanitaria apoyada por la milicia busca alguna forma de cura o solución al problema zombie, pero las rencillas y luchas por el poder degradan la situación. Con un ritmo angustiante y mucha tensión, disfruté mucho de esta cinta. Además, me emocionó reconocer en la música del principio el track utilizado por Gorillaz para su canción M1A1.

Para terminar, saltándose la que muchos consideran la peor de la saga, seguimos con El diario de los muertos (Diary of the Dead, Estados Unidos-Canadá, 2007). Más que una secuela, es un replanteamiento del inicio del apocalipsis zombie en nuestros tiempos, revisando el papel de los medios, la cultura de la inmediatez y el desapego a través de las imágenes. Buenas reflexiones, buenos momentos, un poco de comedia (como siempre pasa con Romero, creador del splat-stick) y una buena historia que, no obstante, no termina de cuajar. Para la forma en que está realizada como que le falta seriedad o quizás verosimilitud. Pero me sigue pareciendo buena.

Es bonito ver una película rodeado de un público, la experiencia es distinta a verla uno solo. Lo malo es que, al menos en mi parecer, el público mexicano es muy inmaduro: se ríen por cualquier cosita (a veces incluso por cosas que ni siquiera son graciosas). Pero considerando todo, fue una buena tarde cinéfaga.

A tiro de piedra

2011-08-01T21:51:00.000-07:00

(Sebastián Hiriart, México, 2010)

La sinopsis de esta cinta me hizo esperar más, no sé bien qué. Pero vale la pena de todas formas. No es una película más sobre la frontera y la inmigración, aunque sí trata de eso. Más bien me recordó a las llamadas bildungsroman, o novelas de aprendizaje. Jacinto, un pastor de cabras que nunca ha dejado San Luis Potosí, encuentra en medio del desierto un llavero que muestra un granero frente a unas montañas. Al reverso del mismo se lee Sprague River, Oregon. Este hallazgo, aunado a un sueño recurrente que empieza a presentársele cada vez con mayor insistencia, lo convence de que debe dejar su tierra natal para aventurarse a buscar lo desconocido.

El tema de la gente humilde cuyas aspiraciones nunca han llegado más lejos que la distancia que puede recorrer a pie me recordó al filme Rapiña (Carlos Enrique Taboada, México, 1975), aunque con sus debidas diferencias. Aquí no es la ambición monetaria lo que cataliza el cambio en el personaje, sino un sueño, la fe en una especie de misión. Con buenas intenciones y no tan buenas obras, Jacinto comienza su viaje. Le ocurren cosas buenas y malas pero, la verdad sea dicha, le va bien. Tiene mucha suerte y no enfrenta tantas dificultades ni tanta crueldad como estamos acostumbrados a ver (o escuchar) en este tipo de historias (ficticias y verídicas por igual). Desafrtunadamente, el tercer acto se va por un camino completamente diferente a lo planteado hasta ese momento y el desenlace me dejó inconforme. No les contaré los pormenores, mejor véanla y fórmense su propia opinión.

Algo que disfruté mucho fue la música, a cargo de Emiliano Motta y Emiliano González de León. Utilizando instrumentos de viento crean una banda sonora conformada por los elementos básicos de la música popular mexicana, deconstruyéndola de tal forma que se escucha como algo nuevo y fresco sin dejar de ser reconocible. También quisiera elogiar al actor Gabino Rodríguez, quien además colaboró en la escritura del guión haciendo de éste un proyecto más íntimo y personal. Le quedan pocas fechas en la Cineteca, así que si les interesa búsquenla cuanto antes.

La trilogía de Apu

2011-08-01T21:28:00.000-07:00

(Satyajit Ray, India, 1955-1956-1959)

Dentro de las proyecciones de El Observatorio, espacio que la Cineteca dedica en su programación a películas de larga duración, se proyectó durante los sábados del mes pasado esta terna de filmes bengalís que es considerada por muchos una de las mejores trilogías de todos los tiempos. Basada en las novelas semi-autobiográficas de Bibhutihushan Bandopahyay, narran no sólo la vida del personaje titular sino la de toda su familia y de paso sirven como un retrato de las distintas realidades cotidianas vividas por la gente de la India durante la primera mitad del siglo pasado.

La primera película, Pather Panchali (La canción del camino) comienza con quienes se convertirán en los progenitores de Apu. En una humilde casa rural vive Sarbajaya acompañada por su hija Durga y su suegra Thakrun, con quienes pelea constantemente. Su marido Harihar Ray, un sacerdote viajero, pasa largas temporadas lejos de casa. La familia vive sumergida en deudas y constantemente se enfrenta a dificultades morales y económicas. Es en medio de esta situación que nace Apu, un niño que vive una infancia feliz a pesar de que la muerte acecha en cada rincón. Tras una cruenta desgracia, Apu hace un descubrimiento que lo hace tomar la decisión de proteger la integridad moral de los difuntos, aprendiendo así a cargar con secretos de por vida. Al finalizar esta primera parte, lo que queda de la familia Ray se muda a la ciudad.

En Aparajito (El invencible), los Ray viven en Benarés, a orillas del sagrado río Ganges. La dura vida de las clases bajas hacen sentir sus secuelas y merman una vez más a la golpeada familia. No obstante, Apu logra entrar a la escuela y descubre que es un alumno brillante. Con el paso de los años, consigue una beca pero es necesario que viaje a Calcuta para continuar con sus estudios, alejándose de sus raíces. Es así que, mientras está lejos de casa, ocurre una desgracia más en la vida de Apu; pero ésta lo ayuda a reafirmar su decisión de permanecer en la ciudad.

La última parte en la trilogía se titula Apur Sansar (El mundo de Apu), en la que nuestro protagonista ya terminó sus estudios y busca trabajo como maestro, al tiempo que se dedica a escribir una novela épica y ambiciosa. Un amigo de la escuela le pide que lo acompañe a la boda de su prima y, en un giro bastante jocoso y conmovedor, el que iba como invitado regresa como el esposo. Entonces surge el romance y la felicidad, por breve que esta sea. Como ya es costumbre, la desgracia y la muerte vuelven a atacar. En esta ocasión, Apu abandona todo y se dedica a vagar por el país durante cinco años, renegando de su novela, de su futuro y de su descendencia. Pero el azar lo pone en el camino de sus responsabilidades, lo cual lo lleva a un desenlace duro pero esperanzador.

Influenciada por los filmes del neorrealismo italiano y los de Jean Cocteau, esta trilogía es brutalmente honesta en su manera de asomarse a la realidad, ya sea rural o urbana. A pesar de todas las tragedias que vive el personaje, no cae en el melodrama y contiene una gran cantidad de escenas poderosísimas. La música original del aclamado Ravi Shankar crea la atmósfera adecuada para las cintas. Y es un deleite percibir el evidente desarrollo de Ray como director, comenzando como un aficionado hasta alcanzar la maestría de un genio nato. Indiscutiblemente una obra maestra, conviene ver esta serie de filmes como un conjunto. Las más de cinco horas y media de duración se sienten un poco pesadas al principio pero conforme avanzan, la historia es tan absorbente que captura al espectador por completo.

Harry Potter y las reliquias de la Muerte, partes 1 y 2

2011-07-31T22:42:00.000-07:00

(Harry Potter and the Deathly Hallows, David Yates, Reino Unido-Estados Unidos, 2010-2011)

Como todo lo que empieza también debe alcanzar su final (excepto, quizás, los comics de superhéroes), por fin termina la saga de Harry Potter en la pantalla de plata. Debo confesar que en un principio fui escéptico y me negaba a leer los libros. Me los prestaron, los devoré y no me arrepentí. Entonces era escéptico de ver las películas, pues temía que no me gustarían ya que difícilmente las adaptaciones se comparan a los originales. Pero como leí los libros hace ya varios años, no tengo la memoria de ellos tan fresca. Así las cosas, el año pasado vi las primeras seis para después ver en cine las últimas dos en sus respectivos estrenos. Ahora volví a echarle un ojo a la primera parte y vi la segunda en el cine. No hay mucho que se pueda decir al respecto.

Me gusta que es una masacre total. Mueren muchos de los personajes, aunque le dan más peso a algunos y le restan importancia a otros por cuestiones de tiempo, supongo. Ambas películas tienen algunas partes un poco aburridas, algunas muy interesantes, otras incluso divertidas y tantas más conmovedoras y tristes. La producción es impresionante, las actuaciones de bastante buen nivel. Se esfuerzan en ser fieles al libro. En resumidas cuentas, dan un buen cierre a lo que, le pese a quien le pese, se convirtió en un auténtico fenómeno cinematográfico. Para quien haya leído la novela, ya se sabe el final y no le sorprenderá. Para quien no, ¿qué esperan? O de menos vean la película, yo no les contaré si Harry vive o muere (como si realmente lo dudaran).